La Biennale de Venise est plus qu’une exposition singulière. C’est une vague qui déferle sur le lagon historique, s’installant dans tous ses quartiers glamour. En plus de l’événement principal, il y a des spectacles collatéraux, des performances et des pop-ups qui alimentent toute la mission de la saison avec des échanges internationaux dosés avec les fameux spritz locaux. La 59e édition de la Biennale, organisée par Cécilia Alemani, s’intitule „The Milk of Dreams“, le nom le plus attrayant de la dernière décennie. Peut-être est-ce parce qu’il est tiré d’un livre de Leonora Carrington, ou peut-être parce qu’il fait si clairement allusion à la forte quantité d’énergie féminine. Par Khalad et Clarice Nilles

Cette 59e édition, qui se termine ce week-end, a attiré plus de 800 000 visiteurs depuis son ouverture en avril après un retard d’un an en raison de la pandémie de coronavirus. Un succès et une vraie percée, car organisée par une femme italienne, une première, qui a présenté une écrasante majorité d’artistes féminines du monde entier, corrigeant un long record de surreprésentation des artistes et commissaires masculins. La conservatrice Cécilia Alemani a décrit sa décision de faire de 90 % des œuvres présentées par des femmes „une refonte délibérée de la centralité de l’homme dans l’histoire de l’art et de la culture contemporaine“. Cette philosophie féministe se reflétait beaucoup dans le travail des artistes à la fois dans l’exposition internationale et dans de nombreux pavillons nationaux. „The Milk of Dream“, c’est le titre de cette exposition internationale en hommage à l’artiste surréaliste britannique Leonora Carrington (1917-2011), nous transporte dans un monde visionnaire où les métamorphoses du corps et les digressions de l’esprit deviennent l’objet d’expérimentations artistiques extraordinaires.

Photos: Khalad/Biennale de Venise/DR

Un retour attendu

En-dehors de cette scène principale, qui serpente à travers les bâtiments principaux de l’Arsenal et du Giardini, il y a les pavillons nationaux, où les artistes sont invités à représenter leur pays. L’énorme machine de la Biennale d’art est enfin remise en marche et l’ancienne splendeur de l’ère pré-pandémique est bien de retour sur scène. Le retour des longues files d’attente attendant d’entrer dans les deux lieux dédiés, où un mille-pattes humain vêtu de baskets fluo du moment tenant des catalogues, magazines et souvenirs est omniprésent pour explorer les lieux. .
De nombreux thèmes, dont le rapport entre l’individu et la technologie, les liens tissés entre les corps et la Terre, le rôle des femmes et leur affirmation face au régime patriarcal. Comme le veut la tradition, tandis que l’exposition principale se développe à l’Arsenal et au Giardini, les pavillons nationaux individuels interprètent le thème général à travers des installations et des performances de haute volée.

Pavillon Espagne : Corrección

Corrección d’Ignasi Aballí est une œuvre de repositionnement. En étudiant le plan du pavillon espagnol, l’artiste s’est rendu compte que le bâtiment n’est pas parfaitement aligné avec l’axe de l’avenue sur laquelle il se dresse, comme ceux des pavillons voisins belge et Hollandais. De là, est venue l’idée de corriger l’erreur : toute la structure est doublée puis tournée de 10°. La nouvelle façade et les nouveaux murs, soulignés d’un blanc éclatant, superposent les éléments préexistants pour dessiner de nouvelles pièces et de nouvelles perspectives. La correction d’Aballí redéfinit non seulement les limites du pavillon, mais réinvente également la relation entre le pavillon lui-même et Venise. C’est dans la ville que l’action se poursuit et se répercute : dans 6 quartiers méconnus de la ville, l’artiste a positionné six carnets sous le titre Inventaire à collectionner et à cataloguer dans un classeur spécial distribué au sein du pavillon. Ce sont 6 petits guides qui corrigent le flux du tourisme de masse dans la lagune, amenant les visiteurs vers d’autres lieux afin de découvrir l’authenticité de Venise. Il ne reste plus qu’à se perdre dans les rues et suivre de nouveaux chemins.

Le pavillon français : Les rêves n’ont pas de titre

Zineb Sidera, née de parents algériens près de Paris en 1963, est devenue la première personne de la diaspora française à représenter son pays. „Dreams Have No Titles“ marie le personnel et le politique : elle a recréé sa maison londonienne pour qu’elle ressemble à un décor de film, tandis qu’un film algéro-italien perdu depuis longtemps qu’elle a restauré, rend hommage à l’Algérie postcoloniale. L’artiste franco-algérienne propose une œuvre qui rappelle l’époque d’une grande générosité où la France, l’Algérie et l’Italie coproduisaient de nombreux films. Dès l’entrée, on se retrouve plongé dans l’ambiance d’un bar typiquement parisien où l’on peut s’asseoir au comptoir ou sur les tables de style bistrot et siroter un verre de vin rouge tandis qu’un couple d’interprètes met en scène un tango passionné marquant le début et la fin d’une histoire d’amour éphémère. Ensuite, la reconstitution d’un espace de vie typique des années 50 parle d’intimité et d’un sentiment de protection de l’environnement domestique, enrichi de souvenirs et d’affiches vintage. Ici, Zineb Sedira raconte le passé colonial de son pays d’origine, déclarant comment la magie du cinéma a complètement imprégné son imagination d’enfant et plus tard de femme.

Le pavillon allemand ; Relocating a Structure

Depuis des années, l’Allemagne exploite l’architecture du pavillon pour créer des solutions nouvelles et de plus en plus significatives. Aujourd’hui, avec Relocating a Structure, Maria Eichhorn révèle les secrets cachés dans les vasques du pavillon allemand. Au centre de la salle principale, un gouffre révèle les fondations de la structure, qui est née sous le nom de Pavillon bavarois en 1909 et agrandie plus tard en 1938 avec le nazisme. L’artiste allemande fit creuser les fondations et enlever les couches de plâtre des murs afin de révéler les jonctions entre les deux bâtiments. Les contours et joints des ouvertures des fenêtres de 1909 ont également été mis au jour pour rendre visible et accessible le bâtiment d’origine, infligeant ainsi de profondes blessures à l’architecture du régime. Un parti-pris bluffant.

Le pavillon suisse : Le Concert

Dans le pavillon helvétique, l’artiste d’origine marocaine, Latifa Echakhch, a réalisé Le Concert, une série de sculptures gargantuesques dévoilées par un jeu de lumières.„Nous voulons que les visiteurs quittent l’exposition avec le même sentiment qu’ils ressentent à la sortie d’un concert. Que ce rythme, ces fragments de mémoire résonnent encore“, a déclaré l’artiste. Dès l’entrée, les visiteurs suivront un parcours dans le temps.
Dans chaque pièce, l’ambiance change et le temps s’écoule à rebours : on passe de la lumière du jour à l’obscurité de la veille au soir. Les sculptures, inspirées de traditions folkloriques comme les feux rituels suisses pour chasser l’hiver, apparaissent de plus en plus voilées par une obscurité imminente pour réapparaître ensuite dans la lumière jaune du premier soleil. Une jolie prestation complétée par une touche verte qui nous rappelle la nature cyclique du temps dont chaque fin impose un nouveau départ. Les matériaux utilisés pour l’installation sont recyclés des Biennales précédentes.

Le pavillon brésilien : Com o coraçao saindo pela boca

Com o coraçao saindo pela boca (Avec le cœur qui sort de la bouche) est l’installation de Jonathas de Andrade pour le pavillon brésilien. Les visiteurs entrent dans le pavillon par une oreille gigantesque et sortent par l’autre, élément annonciateur de ce que les visiteurs découvriront à l’intérieur. L’anatomie est en effet le sujet de recherche de l’artiste. Un œil retiré de son orbite, une langue ensanglantée et coupée, un doigt infecté qui appuie sans cesse sur la mauvaise touche, deux bras qui soutiennent un cœur, une bouche d’où émerge un autre cœur gonflable, un dos froid qui sort du mur : ce sont les parties du corps qui sont littéralement et à plusieurs reprises fragmentées, réduites au silence, ignorées et déchirées. Tous traduisent des expressions populaires liés à des parties du corps qui décrivent des sentiments et des situations. Mais ces mêmes lambeaux sont aussi l’élément structurant du langage non-verbal qui, à travers les gestes, trouve les formes d’expression les plus authentiques et les plus sincères pour communiquer la dissidence. Pour tenter d’expliquer le Brésil d’aujourd’hui, Jonathas de Andrade recourt au théâtre de l’absurde, de l’irrationnel, du hors norme, de l’allégorique, de l’excessif et du ludique.
Le pavillon brésilien se compose de tirages photographiques, de sculptures dont certaines sont interactives et d’une vidéo. Les principales références visuelles de l’exposition proviennent des expo-sciences auxquelles Jonathas de Andrade est allé dans son enfance. En particulier, l’artiste se souvient de son expérience de visite d’Eva, une gigantesque installation de 45 mètres d’une femme allongée construite en fibre de verre et en mousse qui a parcouru le Brésil dans les années 1980, dans laquelle les visiteurs pouvaient pénétrer à l’intérieur pour en apprendre davantage sur le fonctionnement du corps humain. Tous traduisent des expressions populaires liés à des parties du corps qui décrivent des sentiments et des situations.

Photos: Khalad/Biennale de Venise/DR

Pavillon américain : Sovereignty

Simone Leigh elle-même explique :„Pour dire la vérité, vous devez inventer ce qui pourrait manquer dans les archives, réduire le temps, vous préoccuper des problèmes d’échelle, déplacer formellement les choses d’une manière qui révèle quelque chose de plus vrai.“ L’exposition se déclare de l’extérieur : de longs brins de paille recouvrent le tympan néoclassique du pavillon américain, qui prend les caractéristiques d’une construction tribale, opérant un renversement du processus colonialiste. Des sculptures en céramique et en bronze, comme Last Garment et Sharifa, sont des manifestes tridimensionnels de la dissidence afin de démolir définitivement les stéréotypes et la distance raciale. L’artiste engagée ne veut pas simplement célébrer la capacité des femmes afro-américaines à surmonter des circonstances oppressives, elle accuse les conditions qui les forcent si souvent à affirmer leur humanité.

Le pavillon britannique : Feeling Her Way

Feeling Her Way est l’installation audiovisuelle de l’artiste britannique Sonia Boyce. Le pavillon est transformé pour l’occasion en studio d’enregistrement. Des écrans documentent la rencontre aux studios Abbey Road entre 5 musiciens noirs britanniques : Errollyn Wallen, Jacqui Dankworth, Poppy Ajudha, Sofia Jernberg et Tanita Tikaram. Les chanteurs étaient invités à improviser, s’imaginant sous la forme d’objets ou d’animaux ; le résultat est une harmonie exquise de vocalisations et de respirations, avec une musique omniprésente dans chaque pièce du pavillon, où on est subjugué par les effets acoustiques entre les interprètes. „De quel genre de conditions pourriez-vous avoir besoin pour vous sentir libre de vous exprimer, lorsque vous n’êtes pas limité par ce que les autres pensent que vous devriez ou pourriez être ? Que signifie se sentir libre ? Et comment pourriez-vous jouer ?„, explique  Sonia Boyce.
Sur les murs se trouvent un papier peint optique et une collection de souvenirs documentant la contribution transnationale des musiciens noirs britanniques. Les formes géométriques dorées, qui reproduisent les cristaux de pyrite, sont d’abord des chaises invitant à s’arrêter et à écouter, puis deviennent des incrustations suspendues aux murs qui amplifient les sons. Feeling Her Way est un hymne à l’expression de l’individu qui trouve le réconfort à faire partie d’une communauté.

Le pavillon australien: Desastres

Le musicien australo-italien Marco Fusinato, originaire de Belluno, met en scène Desastres, une performance sonore en direct à l’intérieur du pavillon australien. Desastres est un projet audio expérimental qui synchronise le son et l’image sous la forme d’une performance durée : Marco Fusinato vient de temps à autre jouer en direct, utilisant une guitare électrique comme générateur de signal connecté à un haut-parleur générant des séquences sonores assourdissantes. Une performance réitérée depuis près de 200 journées. Pendant ce temps, sur un grand écran LED, qui s’étend du sol au plafond, des images sans rapport défilent, des scènes de guerre urbaine aux abeilles fertilisant des fleurs, des fresques du XIVe siècle et des ciels orageux. L’effet final est une représentation sublime du chaos : au bout de quelques minutes, les tympans se mettent à vibrer et à se comprimer tandis que l’euphorie entre en jeu, suivie de la désorientation et enfin de l’épuisement, déterminé par l’effort mental de vouloir donner un sens à ce jeu diabolique, bien joué !!

Le pavillon belge : The Nature of the Game

Dans The Nature of the Game, l’artiste Francis Alÿs documente en vidéo des réalités complexes et lointaines, notamment la République démocratique du Congo, l’Irak, le Mexique, Hong Kong et l’Afghanistan, des lieux marqués par des conflits profonds ou des manifestations réprimées. Les sujets des vidéos nous permettent cependant de détourner notre regard du drame vers l’espoir, avec des plans encadrants des groupes d’enfants en train de jouer. Leurs voix, leurs rires et leurs gestes sont communs à toutes les latitudes du globe, ouvrant une réflexion sur la nécessité de trouver des moments de répit où la créativité peut se développer même en l’absence de moyens. La chambre à air d’un pneu, par exemple, peut devenir un jeu extrêmement amusant.

Pavillon Coréen : Gyre

A la Biennale d’art de Venise 2022, l’artiste et compositeur de musique électronique Yunchul Kim a transformé le pavillon coréen avec cinq sculptures cinétiques à grande échelle et un dessin mural spécifique au site. Intitulée Gyre, l’exposition organisée par Young-chul Lee s’inspire d’un poème de 1919 de William Butler Yeats intitulé „The Second Coming“, dans lequel le poète irlandais décrit comment un „gyre élargi“ déclencherait l’anarchie dans le monde. Pour la Biennale, Kim transforme le pavillon en son propre monde, ou „corps vivant“, occupé par ses œuvres dynamiques qui visent à éveiller les sens des visiteurs au cycle continu des débuts et des fins. Les installations spectaculaires reflètent la pratique transdisciplinaire de l’artiste fusionnant art, littérature, mythologie, philosophie et science, et se déploient autour de trois thèmes : The Swollen Suns, The Path of Gods et The Great Outdoors. Tout au centre du pavillon, se trouve le Chroma V de 50 mètres de long. Enchevêtrée dans un gros nœud, la sculpture en forme de serpent relie toutes les œuvres d’art et les espaces environnants, comme les nerfs centraux qui relient les différentes parties du corps. Lorsqu’elle reçoit des signaux de l’installation Argos – The Swollen Suns, la sculpture commence à pulser et à respirer.
Derrière Chroma V, se trouve le dessin spécifique au site de Kim, Gyre, qui illustre le monde comme un labyrinthe où la matière, le temps, les objets et les êtres interagissent et coexistent.
Dans un coin de l’espace d’exposition, se dresse le monumental Argos – the Swollen Suns
Une fameuse installation est composée de centaines de tubes de verre qui scintillent de lumière lorsqu’ils détectent des particules de muons subatomiques. Une fois détecté, Argos diffuse des signaux et déclenche le mouvement de Chroma V Sous le thème Swollen Suns, cette pièce réfléchit à la façon dont les débris de l’implosion du Soleil créeraient de nouveaux mondes. Kim fait référence à cet événement cosmique comme une lentille à travers laquelle on percoit la réalité actuelle ; où toutes choses se dispersent et se rassemblent, illuminant à nouveau le monde.
Plus loin, la Poussière de Soleils est une sculpture vivante qui fait un clin d’œil à la pièce du même nom du poète français Raymond Roussel. Fait de vermiculite, ce concept créé aussi par Kim montre un kaléidoscope de couleurs qui n’est visible qu’à travers des lentilles spécialement fabriquées. Discrètement connectée à des appareils, micro-ordinateurs et logiciels, l’installation contrôle la longueur d’onde et la conviction de la lumière par rapport à sa propre densité. Pour finir, Flare représente deux liquides transparents distincts avec des propriétés et des densités spécifiques différentes, qui restent non miscibles, sont scellés. Comme les surfaces de ces liquides sont recouvertes de matériaux hydrophiles, la solution brille comme du métal. Connectées à trois moteurs, les tiges tournent et la solution de torche argentée tourbillonne comme une flamme humide.

Des femmes artistes du Moyen-Orient se sont distinguées

Füsun Onur, 84 ans, a passé un demi-siècle à repousser les frontières de l’art contemporain en Turquie avant d’avoir la distinction de représenter son pays à Venise. Dans sa prestation baptisée “ il était une fois… „, l’artiste turque invite le spectateur dans son monde intérieur tout en confrontant certains des problèmes urgents de notre époque.
De minuscules sculptures en fil de fer de chats et de souris avec des têtes de balle de ping-pong se dressent au sommet de 21 socles qui apparaissaient comme des pages d’un livre et planaient dans tout l’espace, chacun une scène discrète d’un grand voyage d’Istanbul à Venise pendant une peste.
„La migration, la pollution, le changement climatique ont tous provoqué une grande panique. Mais les personnages inspirent la paix en travaillant ensemble sans contrainte en parlant à tout le monde de ce qu’ils pensent„, selon Füsun Onur.

Photos: Khalad/Biennale de Venise/DR

La dualité était au cœur de „Le monde à l’image de l’homme“ du Liban. La vidéo en écran partagé de Danielle Arbid et la sculpture monumentale d’Ayman Baalbaki montrent une nation en conflit avec elle-même : jeune, créative et désireuse de construire un avenir, l’État méditerranéen reste embourbé dans les sables mouvants de la crise économique et de la corruption. La bande originale d’un film d’une promenade frénétique dans les rues de Beyrouth est fournie par la mère d’Arbid alors qu’elle raconte des efforts désespérés pour retirer de l’argent d’une banque lors d’appels téléphoniques que l’artiste a enregistrés.
D’autres pavillons du Moyen-Orient qui ont partagé la scène avec des artistes féminines dont le Sultanat d’Oman lors de sa première apparition à la biennale, avec l’artiste multimédia Budoor al-Riyami et l’artiste textile Radhika Khimjiparmi les six artistes.

Pavillon Ousbekistan : The Garden of Knowledge

Pour une grande première à la Biennale d’art de Venise, l’Ouzbékistan a amené des artistes, des musiciens, des vidéastes, des architectes et des designers pour une première présentation originale sous forme d’une réflexion sur l’œuvre fondatrice de Muhammad ibn Mūsā al-Khwārizmī, scientifique et polymathe issu de la ville de Khiva.
Le concept The Garden of Knowledges s’efforce de remettre en question les mythes et les récits d’origine entourant les technologies modernes, en utilisant le prisme des pratiques artistiques contemporaines pour explorer leurs racines oubliées et leurs résonances longtemps négligées avec des lieux, des époques et des cultures lointaines. Le pavillon Ouzbek montre des interprétations divergentes de la technologie en tant que médium, reconnaissant la profondeur et la complexité de son histoire à explorer à travers un vaste programme public.
Les recherches les plus importantes de Muhammad ibn Mūsā Al-Khwārizmī inventeur de l’algèbre ont eu lieu à la Maison de la Sagesse à Bagdad. La Maison de la Sagesse était un lieu de rassemblement et d’échange et est largement supposée avoir été centrée autour de jardins islamiques. Au cours de son mandat à la Maison de la Sagesse, le mathématicien a joué un rôle déterminant dans d’innombrables activités scientifiques impliquant un large groupe de scientifiques et d’intellectuels. Toute la conception de ce pavillon fait bien sûr référence à cette tradition dans son agencement spatial, refondant la tradition islamique du jardin aussi bien qu’en tant que lieu de rassemblement et d’échange qu’en tant d’espace de recherche, de réflexion et d’expérimentation. Des surfaces en miroir en gradins rendent hommage à la Maison de la Sagesse où al-Khwarizmi a étudié. L’espace atmosphérique et morose incorporant la vie végétale conçu par le designer floral allemand de Studio Mary Lennox a transformé l’espace de rassemblement traditionnel en un jardin superposé à différents niveaux, afin d’inviter au débat et à donner des conférences tout au long de la Biennale, et ce, avec une installation sonore interactive omniprésente du musicien ouzbek Abror Zufarov et du compositeur Paris-Tokyo Charli Tapp.

Photos: Khalad/Biennale de Venise/DR