kunstausstellung

Werkzeuge der Reflexion – work in progress

Paula Bogati – Chris Hartschuh – Silvia Noblecilla - Ingo Woesner – Manuela Wolter Seit dem 4. Mai 2018 präsentiert das Berliner Myers Hotel die Werke fünf verschiedener Künstler. Dem Art...

Chinatown Soup Gallery   art show "States of Being ” Lori Horowitz

Pop-Up Show during Armory week, runs through March 12th.  featuring new works by artists, Lori Horowitz,  Michael Krasowitz, Izzy Nova, Mafe Izaguirre, Andrea Lawl Manning and Maia Del Estral. 16B...

Beyond the River. Künstlerinnen im Dialog mit dem Muskauer Park

Fünf zeitgenössische Künstlerinnen nähern sich mit ortsspezifischen, installativen Werken der deutsch-polnischen Grenzregion um Bad Muskau an, insbesondere dem als UNESCO-Weltkulturerbe geschützten Fürst-Pückler-Park. Ewa Axelrad (*1984), Maria Loboda (*1979), Agnieszka Polska...

Tapping on Windows, knocking on Walls by Wim Bosch

In his solo exhibition Tapping on Windows, Wim Bosch shows a selection of new works from the work groups A.L.S. and crumples. – Some of them have been already part...

Presentation of new Photo edition by Wim Bosch for Das Esszimmer.

Sibylle Feucht, artist and founder of Das Esszimmer, Bonn in conversation with Wim Bosch. In his solo exhibition Tapping on Windows, Wim Bosch shows a selection of new works from...

Das Kunst- und Modelabel HeroinKids / zwischen Kunst und Wirklichkeit

Am 17. November 2017 veranstaltet das provokante Berliner Kunst- und Fashion Label HeroinKids eine Vernissage. Ein Event zwischen Kunstausstellung und Underground Techno Party. Beginn ist 23.00 Uhr. Veranstaltungsort ist der...

DAVID HOCKNEY RÉTROSPECTIVE

Le Centre Pompidou en collaboration avec la Tate Britain de Londres et le Metropolitan Museum de New York présente la plus complète exposition rétrospective consacrée à l’œuvre de David Hockney....

HERVÉ FISCHER ET L'ART SOCIOLOGIQUE

GALERIE DU MUSÉE, NIVEAU 4 Du 15 juin au 11 septembre 2017, le Centre Pompidou consacre une exposition personnelle à Hervé Fischer en présentant les divers aspects de son activité...

L'artiste TAROE

TAROE, de son vrai nom Nicolas Masterson, est né à Biarritz Le 6 Avril 1981. Il découvre l’univers du graffiti en 1995. Autodidacte et passionné, il fait ses armes sur...

Galerie Schrade zeigt Josef Lang

Neben Werken von Per Kirkeby oder Ottmar Hörl zeigt die Galerie Schrade noch bis zum 8. Oktober 2017 im Schloss Mochental Skulpturen des Bildhauers Josef Lang. Seine Arbeiten aus Bronze, Holz...

Planet 9

Planet 9  postulierten Konstantin Batygin und Michael E. Brown die Existenz eines gigantischen, neunten Planeten mit einem Orbit von 10.000 bis 20.000 Jahren. Während Astronomen dem Phantomplaneten nachspüren, wird daraus...

Alchemy of a split, by Jerry Treit

„We wear masks, togs, haircuts, tattoos of eternity, but in in the essence we are naked. I do not really think that anyone cares about it looking to the inside. The more we express to the outer world, the less we maintain for ourselves. In my painting I take a look into these depths, I try to find a harmony between both of these worlds. Everything merges in the chaos of daily life, one side turns to the other. One gets new hair, the other gets new wings… Dichotomy grows.

Drawing a line, a soul, a horizon, each time I put my other hand into these depths, as bathing in a bottomless pit, fishing what the waters like to give. Two universes occur. The one out of a magazine, and the intimate one. It´s the theatre of art. A little pop. The poetry of schizophrenia. The beauty of randomness by the embarrassment of completely different worlds – sometimes only fitting by color… the color of presenters‘ hair and the color of my Starbucks coffee, seasoned by the coziness of warm winter sox, and finished by the rumble of a rocket taking out to Syria. A feast of emotions. This fine crack we call life.“

 

La Biennale di Venezia 57th International Art Exhibition - Statement by Paolo Baratta President of La Biennale di Venezia

  We customarily define La Biennale as a place of research. We customarily repeat that, regardless of the Exhibition’s theme or approach, La Biennale must present itself as a place...

La Biennale di Venezia 57th International Art Exhibition “Viva Arte Viva”

The 57th International Art Exhibition, titled Viva Arte Viva, will open to the public from Saturday May 13th to Sunday November 26th 2017 (Giardini and Arsenale) and will be curated by Christine Macel and organised by La Biennale di Venezia chaired by Paolo Baratta. The preview will take place on May 10th, 11th and 12th, the awards ceremony and inauguration will be held on Saturday, May 13th 2017.

The Exhibition will also include 86 National Participations in the historic Pavilions at the Giardini, at the Arsenale and in the city centre of Venice. Three countries will be participating for the first time: Antigua and Barbuda, Kiribati, and Nigeria.

The Italian Pavilion at the Tese delle Vergini in the Arsenale, sponsored and promoted by the Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane, this year will be curated by Cecilia Alemani.

23 Collateral Events, promoted by non-profit national and international institutions, will present their exhibitions and initiatives in Venice during the 57th Exhibition.

The International Exhibition VIVA ARTE VIVA

The Exhibition offers a route that unfolds over the course of nine chapters or families of artists, beginning with two introductory realms in the Central Pavilion in the Giardini, followed by seven more realms to be found in the Arsenale and the Giardino delle Vergini. There are 120 invited artists from 51 countries; 103 of these are participating for the first time.

This is how Paolo Baratta, President of La Biennale di Venezia, presents Biennale Arte 2017, explaining that “the 57th Exhibition introduces a further development. It is as though what has always been our primary work method—encounter and dialogue—has now become the theme of the Exhibition, because this year’s Biennale is dedicated to celebrating, and almost giving thanks for, the very existence of art and artists, whose worlds expand our perspective and the space of our existence.” “Christine Macel has called it an Exhibition inspired by humanism. This type of humanism is neither focused on an artistic ideal to follow nor is it characterised by the celebration of mankind as beings who can dominate their surroundings. If anything, this humanism, through art, celebrates mankind’s ability to avoid being dominated by the powers governing world affairs. These powers, if left to their own devices, can greatly affect the human dimension, in a detrimental sense. In this type of humanism, the artistic act is contemporaneously an act of resistance, of liberation and of generosity.” “There is another aspect of the 57th Exhibition – states Baratta – which alone qualifies it, above and beyond all the themes or narrations: of the 120 artists who have been invited to the Exhibition by our curator, 103 are participating here for the first time. Some are discoveries; many others, at least

for this year’s edition, are rediscoveries. And these courageous choices, too, are a concrete expression of our confidence in the world of art.” “This year, direct encounters with the artists have assumed a strategic role, to the point of becoming one of the pillars of La Biennale, whose program is of unprecedented size and commitment. Our curator’s main Exhibition is surrounded by the 86 pavilions of participating countries, each with its own curator, which will once more bring to life the pluralism of voices which is a hallmark of La Biennale di Venezia.” (The full text of Paolo Baratta is included in the Press Kit)

Christine Macel has declared: “Today, in a world full of conflicts and shocks, art bears witness to the most precious part of what makes us human. Art is the ultimate ground for reflection, individual expression, freedom, and for fundamental questions. Art is the last bastion, a garden to cultivate above and beyond trends and personal interests. It stands as an unequivocal alternative to individualism and indifference.” “The role, the voice and the responsibility of the artist are more crucial than ever before within the framework of contemporary debates. It is in and through these individual initiatives that the world of tomorrow takes shape, which though surely uncertain, is often best intuited by artists than others.” “Viva Arte Viva is an exclamation, a passionate outcry for art and the state of the artist. Viva Arte Viva  is a Biennale designed with artists, by artists and for artists.”

The Nine Trans-Pavilions Each of the nine chapters or families of artists of the Exhibition “represents a Pavilion in itself, or rather a Trans-Pavilion as it is trans-national by nature but echoes the Biennale’s historical organisation into pavilions, the number of which has never ceased to grow since the end of the 1990s.” “From the “Pavilion of Artists and Books” to the “Pavilion of Time and Infinity”, these nine episodes tell a story that is often discursive and at times paradoxical, with detours that mirror the world’s complexities, a multiplicity of approaches and a wide variety of practices. The Exhibition is intended as an experience, an extrovert movement from the self to the other, towards a common space beyond the defined dimensions, and onwards to the idea of a potential neo-humanism.” “Viva Arte Viva also seeks to convey a positive and prospective energy, which whilst focusing on young artists, rediscovers those passed away too soon or those who are still largely unknown despite the importance of their work.” “Starting with the Pavilion of Artists and Books, the Exhibition reveals its premise, a dialectic that involves the whole of contemporary society, beyond the artist himself, and addresses the organisation of society and its values.” “Art and artists are at the heart of the Exhibition, which begins by examining their practices, the way they create art, halfway between idleness and action, otium and negotium.”

Open Table (Tavola Aperta), Artists’ Practices Project, Unpacking My Library: a series of parallel projects and performances will animate the Exhibition following the same curatorial premise, which is to place artists at the art of the Exhibition.

Open Table (Tavola Aperta) Each Friday and Saturday of every week, during the six months of the Exhibition, artists will host an Open Table (Tavola Aperta) and meet visitors over a casual lunch to hold a lively conversation about their practice. These bi-weekly events will be organised in two dedicated spaces refurbished for this purpose, in front of the Central Pavilion of the Giardini and in the new Sala d’Armi in the Arsenale. The Open Table (Tavola Aperta) events will be live-streamed on La Biennale’s website.

Artists’ Practices Project In the Central Pavilion at the Giardini and in the Sale d’Armi at the Arsenale a space will also be created for the Artists’ Practices Project, including a series of short videos made by the artists about themselves and their way of working.

“These two parallel projects – commented Macel – are open to all artists of Biennale Arte. All National Pavilions are welcome to host their own Open Table (Tavola Aperta) event on Wednesdays and Thursdays, and to add videos to the database on the artists.”

Unpacking My Library Finally, the project titled Unpacking My Library, inspired by Walter Benjamin’s essay published in 1931, allows the artists of Viva Arte Viva to compile a list of their favourite books. This is both a way to get to know the artists better and a source of inspiration for the public. The list of books will be published in the Exhibition at the Central Pavilion and in the catalogue. The books listed by all the participating artists will be available to visitors at the Stirling Pavilion in the Giardini.

Special Projects and Performances Besides the main Exhibition in the Central Pavilion and in the Arsenale, several Special Projects and Performances have been commissioned especially for the Giardini, the Giardino delle Vergini and other Exhibition venues. A dense programme of approximately twenty performances will be held during the opening week. The performances will all be live-streamed on La Biennale’s website. The videos will remain on view in a dedicated multimedia room in the Central Pavilion and in the Arsenale.

Ralph Gelbert zeigte eine Auswahl aktueller Arbeiten

Der international renommierte Künstler Ralph Gelbert öffnete sein Atelier in Neustadt-Königsbach zu seiner Werkschau und zeigte eine Auswahl aktueller Arbeiten.

Der  Künstler Ralph Gelbert studierte an der „Accademia Belle Arti“ in Florenz, für die er 1993 ein Stipendium erhielt ein Kunststudium bis 1996.

Nach zahlreichen Studienaufenthalten, in Europa (Italien, Irland, England, Bosnien-Herzegowina), in Südamerika und Afrika ist Ralph Gelbert seit 2007 auch Lehrbeauftragter an der Kunstakademie in Bad Reichenhall und der Akademie der bildenden Künste in Kolbermoor. Seit 2008 organisiert und leitet Gelbert das mittlerweile 4.“Internationale Künstler-Symposium in Neustadt an der Weinstraße“.

Als Dozent lehrt Gelbert seit 2008 auch im Fachbereich Virtual Design und Innenarchitektur an der Fachhochschule in Kaiserslautern. Zusammen mit Stefan Engel und Klaus Hartmann bildet er den Vorstand der Arbeitsgemeinschaft Pfälzer Künstler. Persönlichkeiten wie Max Slevogt, Hans Purrmann, Hermann Croissant und Otto Dill zählten zu ihren Mitgliedern.

Gelberts Werke sind meist großformatige Bilder. Auf den ersten Blick wirken sie ungeordnet und erst beim genaueren Betrachten entwickeln die einzelnen Farbkompositionen und die Verbindung verschiedener Techniken und Materialien zu einem Gesamtbild. Man erkennt stets sehr komplexe Strukturen. Ralph Gelbert malt in Schichten mit satten bis grellen Farben  und entfesselt so die individuelle Kraft jeder Farbe.

Ralph Gelbert kennt die Sprache der Farben wie kaum ein anderer. In seiner abstrakten und sehr expressiven Malerei bevorzugt er reine und leuchtende Farben, die er a la prima auf die Leinwand bringt. Er malt vorwiegend in Öl und muss jede Farbe erst etwas trocknen lassen, ehe eine zweite hinzukommen kann. Mischen sich nämlich Farben auf der Leinwand, verschmutzen sie leicht. Besonders gefährlich sind Komplementärfarben, die sich zu unserem ungeliebten Grau vermengen, und damit alle Kraft und Aussage verlieren. Meist nutzt der Künstler diese Trocknungsphasen, um an anderen Bildern weiter zu malen. Dabei bekommen nicht nur die Ölfarben ihre Zeit: Jedes Bild kann reifen und sich so allmählich vollenden.

In seinem Atelier, ein großes lichtdurchflutetes gewölbtes Fenster, umgeben von einem schönen angelegten Garten und inmitten der Weinberge

www.gelbert.com

 

Via Lewandowsky Fotoserie ›House Calls‹

Diese Kamerabilder hat ein Agent des Realen aufgenommen, und ein Agent des Irrealen hat sie anschließend beschriftet. Am Kreuzungspunkt ihrer Wahrnehmungen ist etwas Drittes entstanden, das die Spione im eigenen Auftrag in einem Akt der Eingebung PHOTOPROSA nannten. Zwei Kundschafter im Außendienst, die sich seit Jahren regelmäßig treffen und ihre Rechercheergebnisse auswerten. Bilder von fernen und nahen Schauplätzen sind es, Via Lewandowsky hat sie im Auftrag seiner Privatdetektei auf verschiedenen, zum Teil auch gemeinsamen Künstlerreisen der letzten Jahre angefertigt und seinem Kompagnon Durs Grünbein später zur Auswertung überlassen. Worauf dieser sie, ausreichend informiert über die Umstände und Anlässe, mit Kommentaren versah. Entstanden ist so ein Atlas der unmöglichen Orte, ein Dossier aus Bilddokumenten und handschriftlichen Texten […]. Aus ihnen wird ein Bewegungsmuster erkennbar, Spuren werden gelegt und gefunden, ein Narrativ zeichnet sich ab.

Bereits 1988 schworen sich Durs Grünbein und Via Lewandowsky in der gemeinsamen Heimatstadt Dresden unbedingte künstlerische Treue. Sie veröffentlichten unter dem Titel ›Ghetto-Hochzeit‹ Texte und Zeichnungen im Ursus Press Verlag von Christoph Tannert. Seitdem gingen regelmäßig Ideen im Spannungsfeld von Sprache und Bild zwischen ihnen hin und her, die Funken wurden zur Grundlage sehr unterschiedlicher Projekte. Prinzip war immer die gegenseitige Überraschung in einem Klima drohender Langeweile, gesellschaftlicher Konditionierung und Überwachung, damals im Osten, anders heute im Westen. (Text : Via Lewandowsky und Durs Grünbein)

Neben Soundobjekten von Via Lewandowsky steht die fortlaufende Fotoserie ›House Calls‹, eine Gemeinschaftsarbeit von Via Lewandowsky und Durs Grünbein im Mittelpunkt der Präsentation.

 

Die Heidelberger Literaturtage im Aufbruch finden vom 21. bis 25. Juni im Spiegelzelt auf dem Universitätsplatz Heidelberg statt.

Via Lewandowsky (* 1963, Dresden) studierte von 1982 bis 1987 an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Zwischen 1985 und 1989 veranstaltete er dort mit der Avantgardegruppe der ›Autoperforationsartisten‹ subversive Performances, die den offiziellen Kunstbetrieb der DDR unterliefen. 1989 verließ er kurz vor der Wende die DDR und zog nach Westberlin. Er reist viel und hatte diverse längere Aufenthalte im Ausland u. a. in New York, in Rom, in Peking und in Kanada. Er lebt in Berlin.

Durs Grünbein (* 1962, Dresden) lebt seit 1986 nach kurzzeitigem Studium als Dichter, Übersetzer und Essayist in Berlin. Er war Gast des German Department der New York University und der Villa Aurora in Los Angeles. Für sein Werk erhielt er mehrere Preise, darunter den Peter-Huchel-Preis 1995, den Georg-Büchner-Preis 1995, den Literaturpreis der Osterfestspiele Salzburg 2000, den Friedrich Nietzsche-Preis des Landes Sachsen-Anhalt 2004 und den Berliner Literaturpreis 2006 der Preußischen Seehandlungverbunden mit der Heiner-Müller-Professur 2006.

Natalie Czech  you see// but // you say

Im Werk der Fotokünstlerin Natalie Czech geht es auf charakteristische Weise um das Verhältnis von Bild, Bildgegenstand und Text. In umfangreichen Werkgruppen arbeitet sie an Formen einer konzeptuellen Verflechtung dieser unterschiedlichen Darstellungsebenen. Sie verbindet Stilmittel klassischer Objektfotografie mit verschiedenen, vorwiegend literarischen Textformaten. So lassen sich ihre Werke als visuelle Gedichte verstehen, denn sie interpretieren ihr poetisches Ausgangsmaterial weiter – seien es Gedichte verschiedener Autoren oder digitale Bildzeichen, sogenannte Icons, wie in ihrer neuesten Werkgruppe. Czechs Arbeit fächert die Textualität solcher Elemente in neue, pluralisierende Lesarten auf. Dabei verfolgt sie eine auf den ersten Blick paradoxe Unternehmung, nämlich die, ›mit Fotografie zu schreiben‹.

Ihre neueste Werkgruppe trägt den Titel ›to icon‹, und er birgt einen entscheidenden Deutungshinweis, macht er doch das Substantiv ›Icon‹ zum Verb, generiert ein aufs Lesen von Bildern bezogenes Kunstwort. Genau das geschieht in den neuen Fotoarbeiten: Sie zeigen Piktogramme, visuelle Kommunikationskürzel im Zwischenraum von Bild und Text, die heutzutage für praktisch jeden Handy-, Tablet- oder Web-User zur alltäglichen Bildlektüre geworden sind – so vertraut, dass man sie kaum mehr wahrnimmt, sondern schlichtweg funktional benutzt. Czech stellt fest, dass die digitalen Symbole in verschiedenen Programmen teils unterschiedliche Verwendungen und Bedeutungen haben. So sammelt sie Begriffsfelder, die ein Icon abdeckt, und inszeniert das semantische Feld in einem Foto. Dafür fotografiert sie etwa Kleidungsstücke und Accessoires im Stil von Mode- und Produktfotografie, liest die Form eines Icons in Umrisse, Falten oder Nähte der Objekte hinein – und appliziert sie jeweils als farbigen Kunststoffguss direkt aufs Foto.

Zum Beispiel in ›Pen /PR Shirt‹ (2016): Eine Designerbluse mit kleinteilig-opulentem Blumenmuster liegt bildfüllend locker drapiert mit angewinkelten Armen auf schwarzem Stoff. Erst auf den zweiten Blick entdeckt man im unteren Bildteil auf der Innenseite des linken Ärmels das Symbol eines stilisierten Stifts. Die länglich-rechteckige Form, am unteren Ende mit einem kleinen Dreieck, oben mit einem Quadrat versehen, kommt in verschiedenen Apps und Textprogrammen vor – und ist hier außerdem mit dem Nahtmuster der Manschette deckungsgleich, mit der sich der Ärmel aufknöpfen lässt. Da Bedeutung und Gebrauch eines Icons in den verschiedenen digitalen Anwendungen variiert, fügt Czech in ›to icon‹ den fotografierten Objekten, wie bei Waren üblich, eine Art Produktlabel hinzu. Darauf gibt sie akribisch die Bedeutungsvarianten und die jeweilige Referenzsoftware wieder. So kommt etwa das Symbol ›Pen‹ aus diesem Bild unter anderem in ›PicsArt Photo for Windows 8.1‹, ›TripAdvisor IOS 14.6‹, ›Pinterest © 2016‹, ›Google Translate © 2015‹ und anderen vor. Insgesamt notiert Czech hier acht Bedeutungsvarianten und Quellen. Auf dem Label zusammengeführt, liest sich die Aufzählung einzelner Funktionsbezeichnungen plötzlich assoziativ und frei wie ein poetischer Text: ›Draw / Drafts / Draft Reviews / Write a Review / Update Info / Edit / Text // Wrong?‹.

Czech (er) findet auf dem Weg solcher Manöver vielfach gestaffelter Rekontextualisierung und Rückübersetzung eine ganz eigene Art von Poesie. Sie knüpft auf freiere Weise an frühere Werkgruppen und deren Verflechtung von Bild und Poesie an, wie etwa bei den mehrteilig angelegten ›Poems by Repetition‹. Dort entfaltet Czech je ein Gedicht ausgewählter Autoren innerhalb eines wiederholt fotografierten Motivs. Die Fotografie, selbst ein Reproduktionsmedium, konstituiert Textproduktion dadurch ausdrücklich mit – auch dies eine Weise, mit Fotografie zu schreiben. Sie verwendet dabei oft Gedichte, die mit Stilmitteln der Repetition experimentieren. So sind diese Werke letztlich Sprachbilder im doppelten Sinne: Literarisch lassen sie sich als Konkrete Poesie oder experimentelle Dichtung lesen, bildbezogen aber ebenfalls als konzeptuelle Objektfotografie auffassen. Czech operiert dabei bewusst mit einer Ambivalenz, die schon in ihren literarischen Quellen angelegt und eines ihrer zentralen Themen ist, dass nämlich Text in sich bereits ein (literarisches) Bild und, ganz buchstäblich, stets auch Schriftbild ist. (Text: Jens Asthoff)

Natalie Czech (* 1976) lebt und arbeitet in Berlin. Ausstellungen u. a. im CRAC Alsace Altkirch, MOMA New York, Palais de Tokyo Paris, Fotomuseum Winterthur, Kunsthalle Wien, Hamburger Bahnhof Berlin, Kunstverein in Hamburg, Braunschweig, Langenhagen. Arbeiten u. a. in den Sammlungen des MOMA New York, Pinakothek der Moderne München, Fotomuseum Winterthur.

Exposition de l'artiste Moa Daliendog en Bourgogne à la propriété Coudurier-Jung

Du Jeudi 22 juin, date du vernissage, au 20 juillet 2017 se déroulera à Beaune l’exposition Ca$h Ca$h de l’artiste bordelais Moa Daliendog.

Cette exposition se déroulera à la propriété viticole Coudurier- Jung (propriétaires et négociants) au coeur de Beaune, dans le caveau familial, une merveille du XVIème siècle en pierre naturelle magnifiquement restaurée.Une initiative originale pour découvrir le surprenant travail de l’artiste ainsi que les vins de la propriété, une dégustation sera en effet proposée au cours du vernissage.

Moa Daliendog est un artiste plasticien français né en 1980 à Libourne. C’est à partir de la fin des années 1990  qu’il se forme aux arts plastiques en cadre scolaire et universitaire. Plus tard, il organisera des expositions collectives au sein de l’association Pilgrimage dont il est l’un des membres fondateurs.

C’est en  2013 qu’il commence son travail sur la série CA$H-CA$H et collabore avec l’artiste Auguste. Aujourd’hui il  perfectionne et développe sa série CA$H-CA$H, offrant aux sujets qu’il représente une aura magique et envoûtante, aux couleurs vives et aux nombreux effets de matière distinguant son travail  par ces particularités originales qui lui confèrent une identité singulière.

Cette série est le fruit de nombreuses années de travail consacrées à la photographie de portraits, à l’utilisation de son scanner et de son imprimante, ainsi qu’à peaufiner sa technique de finition et qu’il a malicieusement nommée « MÉLATAPATAPEINTURE».

À travers cette série de portraits, il cristallise ses modèles au sein d’un univers coloré empli d’effets de matière, les inscrivant ainsi dans une forme de moment d’éternité. Ses textures sont réalisées à l’aide d’un scanner, il scanne les emballages de nos produits de consommations courants, les sacs que nous utilisons au supermarché, ou bien de l’aluminium ou du cellophane froissé, ou des vêtements…

C’est un savant mélange de numérique, un excellent dosage de talent, et sa finition unique « MÉLATAPATAPEINTURE »qui donnent aux œuvres de Moa Daliendog un rendu proche de la peinture. Cette technique numérique produit discrètement du geste qui se dégage, une aura en infusion. L’artiste imprime lui-même ses travaux à l’aide de son imprimante, les œuvres sont composées de 12, 20 ou 30 pages de papier photo A4 (21/29,7 cm).

Il recouvre en guise de finition ses travaux avec de la résine époxy à l’intérieur de laquelle il insère des paillettes brillantes, de l’étain et des éclats phosphorescents. Pour vous parler du travail de l’artiste nous pouvons citer la critique d’Anna Piergentili dans Stile Arte :

« Les compositions de l’artiste français Moa Daliendog sont éthérées, sous le profil d’une vibration intense de la matière, aux couleurs intenses et vives. Avec sa grâce ravissante, Moa immortalise les déesses d’Hollywood en termes postwarholiens, qui mettent en lumière une attitude non affadie sur ce maître des icônes du vingtième siècle. Une opération loin d’être aisée et pourtant parfaitement réussie du point de vue de la réinvention d’un module.

Il apprécie de mettre en valeur les vedettes ayant marqué l’histoire, étant devenues des légendes et appartenant désormais aujourd’hui à notre imaginaire collectif, telles que Madonna, Marilyn Monroe, Brigitte Bardot, sans pour autant dédaigner les nouvelles célébrités du ‘tapis rouge’. Parmi ses œuvres apparaissent aussi les impérissables Uma Thurman et Claudia Schiffer, Paris Hilton et même la reine de « Wrecking Ball », la très sulfureuse Miley Cyrus.

L’artiste, partant des portraits photographiques des stars les plus célèbres, tresse une trame chromatique vraiment singulière. Il est un génie dans l’utilisation des textures, sur lesquelles se posent des lumières romantiques et des ombres exquises de dentelles qui enrichissent les images.

Son art délicieusement éclectique surprend par son adresse dans l’utilisation équilibrée des teintes pastel, une touche naturaliste qui confère une aura magique particulière aux femmes splendides qu’il représente, comme si elles étaient des fleurs bariolées prises au piège dans une dimension surréaliste. Une réinterprétation sans précédent de la polychromie « à plat » du père du Pop Art, Andy Warhol ».

Amateurs de beaux arts et amoureux du bon vin, nous vous donnons donc rendez-vous le 22 juin à partir de 18h pour un délicieux moment  de convivialité.

Informations pratiques:

Adresse: la propriété Coudurier-Jung est située au 19, Rue du Faubourg Bretonnière 21 200 Beaune

www.coudurierjung.com

Retrouvez également les œuvres de Moa Daliendog actuellement en vente au concept-store

Tata Roberta – 19 place Saint- Georges – 31 000 Toulouse

Symbole , Spuren , Zeichen , Codes – ein QUADROLOG

Vier Künstlerinnen, vier Ansätze, eine Ausstellung. Das Thema Symbole – Spuren – Zeichen – Codes wird sehr unterschiedlich aufgefasst:

Christiane B. Bethkes Bodeninstallation „Blind Date“ transformiert die Brailleschrift. Eine über den Tastsinn wahrnehmbare, abstrakte Codierung wird visuell erfahrbar. Die Betrachter sind aufgefordert, die Botschaft für den eigenen „Innenraum“  zu übersetzen.

Chris Firchow zeigt aus der Chinesischen Tradition kommend Zustandsbilder aus dem I Ging. Es sind Formen, die Zustände umreißen oder darstellen. Die Grundlage für die von ihr entwickelten Werke  bildet das wahrscheinlich älteste Buch der Welt: Das Buch der Wandlungen – das I Ging.

Karolin Hägele hat in ihren neusten Arbeiten den Berg zum Thema, den Berg als Symbol der ursprünglichen Kraft der ungebändigten Natur, aber auch der Verbundenheit mit ihrer Heimat.  Transparenz, Vielschichtigkeit und Fließenlassen  prägen ihre Malerei, die sich zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion bewegt.

Katja Krouppas „Vor allem ihre Stilleben haben die große Ruhe von geglückten Kompositionen. Ein vorsichtiger, betont menschlicher Klang geht von ihnen aus, der uns in seiner Klarheit sofort auffällt, seltsam vertraut und doch fremd“ -Klaus Fußmann über ihre Stillleben.

Die Künstlerinnen aus Köln, Berlin, St. Petersburg und Ravensburg  treten über ihre unterschiedlichen künstlerischen Ansätze in einen „Quadrolog“ und begreifen die Ausstellung als Ausdruck und Möglichkeit der Verständigung.

Im Rahmen der Ausstellung wird es zwei Lesungen geben, von Alexandra Linett am 06.07. um 19 Uhr und von Petra Lohan am 30. 07. um 17 Uhr.

Symbole , Spuren , Zeichen , Codes – ein QUADROLOG

Ausstellung in der Galerie am Nöldnerplatz,

Lückstr. 72/73, 10317 Berlin

26.06.  – 30.07.2017, Vernissage am 24.06. um 17 Uhr

Heute eröffnet die Ausstellung der documenta 14 in Kassel

Heute, am 10. Juni 2017, eröffnet die Ausstellung der documenta 14 in Kassel. An mehr als 30 verschiedenen Orten, öffentlichen Institutionen, Plätzen, Kinos und Universitätsstandorten werden mehr als 160 internationale Künstler_innen ihre für die documenta 14 konzipierten Arbeiten vorstellen. Die Ausstellungsorte sind täglich von 10-20 Uhr geöffnet.

Orientierung auf der documenta 14

Der Künstlerische Leiter Adam Szymczyk schlägt einen Parcours für den Besuch der documenta 14 in Kassel vor. Dieser beginnt am ehemaligen unterirdischen Bahnhof (KulturBahnhof) und erstreckt sich über die Nordstadt über den Friedrichsplatz in Richtung Süden bis zu der Torwache, dem unvollendeten Tor zur Stadt. Den Parcours sowie Informationen zu den Ausstellungsorten finden Sie auf der Webseite der documenta 14. Die Info-Karte mit allen Ausstellungsorten der documenta 14 in Kassel können sie hier herunterladen.

Die beiden Hauptpublikationen der documenta 14 sind das documenta 14: Daybook und Der documenta 14 Reader. Der documenta 14 Reader, eine kritische Anthologie, behandelt Fragen der Ökonomie, der Sprache und der Kolonialität von Macht, während das documenta 14: Daybook den an der documenta 14 beteiligten Künstler_innen gewidmet ist. Ergänzt wird das Daybook durch zwei Broschüren (Map Booklets), jeweils eines für Athen und Kassel, die überall dort erworben werden können, wo die Publikationen erhältlich sind. Die Broschüren können in den Schutzumschlag des Daybook eingelegt werden und vervollständigen damit das Buch. Sie liefern generelle Informationen zu den Ausstellungsorten und eine Liste der ausgestellten Werke.

Weiteres Informationsmaterial über die documenta 14 sowie das tägliche Veranstaltungsprogramm erhalten Sie im Presse- und Informationszentrum am Friedrichsplatz 4 in 34117 Kassel und im Public Paper, der zweiwöchentlichen Zeitung der documenta 14, die in allen Ausstellungsorten kostenfrei ausliegt.

Das vollständige Veranstaltungsprogramm der documenta 14 finden Sie im Kalender auf der Webseite der documenta 14.

Bücherspenden für The Parthenon of Books

The Parthenon of Books ist ein Kunstwerk im Prozess, das auf der Beteiligung der Öffentlichkeit basiert. Tausende Bücher wurden bereits für die Installation nach Vorbild des Tempels auf der Athener Akropolis gespendet, die derzeit auf dem Kasseler Friedrichsplatz erbaut wird. Auch während der Ausstellung können vor Ort noch Bücher abgegeben werden, um den Parthenon mit einst oder gegenwärtig verbotenen Büchern aus der ganzen Welt zu gestalten.

Wir laden Sie herzlich ein, zu Ihrem Besuch der Ausstellung ein Buch mitzubringen und so selbst ein Teil des Werks zu werden.

Besucher_innenumfrage

Während die documenta 14 in Kassel heute eröffnet wird, ist die Ausstellung seit dem 8. April in Athen zu sehen. In Athen zählt die documenta 14 bereits 244.000 Besuche an den verschiedenen Ausstellungsorten, den Werken im öffentlichen Raum und bei den zahlreichen Veranstaltungen und Performances rund um die Stadt. Die Besuche werden am Eingang von jedem Veranstaltungsort der documenta 14, Werken im öffentlichen Raum sowie Veranstaltungen gezählt.

Die documenta 14 hat während der ersten neun Wochen Besucher_innenbefragungen durchgeführt: 43 Prozent der Ausstellungsbesucher_innen sind griechische Besucher_innen und kommen aus Athen, Thessaloniki, Patras, Volos und anderen Teilen Griechenlands; ein Viertel der Besucher_innen kommen aus Deutschland, die weiteren Besucher_innen kommen aus der ganzen Welt (mehr als 56 verschiedene Länder), um die Ausstellung an den verschiedenen Orten zu besichtigen, an Veranstaltungen teilzunehmen, Konzerte zu hören und die vielen Ebenen des Programms der documenta 14 in Athen zu erleben. Laut Umfrage ist es für viele der griechischen und internationalen Besucher_innen der erste Besuch einer documenta. Die Besucherumfrage wurde von der Universität Kassel in Zusammenarbeit mit der Universität Athen durchgeführt