Kunst und Kultur

Parada Salvaje - The argentine artist Celina Jure

The argentine artist Celina Jure (Buenos Aires), born and raised in Jujuy, became famous for her large-sized paintings which were developed trough dance and movement, often developed on site at the exhibition spaces.
In the last 10 years Celina Jure dedicated herself more and more towards objects and installations working mainly with clay. The dynamic flow of her paintings can be found in the way she works the clay, respectively in theassemblages of her clay-steles, that seem to loose any time their laborious balance just to end up as scattered fragments on the ground. These fragile objects that seem to constantly seek to maintain their balance are arranged as single objects or forming larger groups.
For her exhibition at Das Esszimmer she developed new works.

between art and arts & crafts” Artist  and Curator: Jorge Pardo

For the second year in a row, La Biennale di Venezia is collaborating with the Victoria and Albert Museum, London (V&A) on the Pavilion of Applied Arts at the 57th International Art Exhibition, located in the Sale d’Armi of the Arsenale.

The Pavilion, titled “Display – between art and arts & crafts”, is conceived by La Biennale di Venezia with the advice of Bice Curiger, and curated by Cuban-American artist and sculptor Jorge Pardo, whose work blends art and design together.

The exhibition features “a steel structure for a summer house in the future”, as Jorge Pardo explained, along with “5 paintings with lights and someone falling, curtains that make me think of Lilly Reich, photos of shows and other things, a very nice bathroom, and photographs in a slide carousel”. He also added, about his installation: “starting to get the ex wife out of my summer house… and maybe some issues in objecthood along the way…”.

La Biennale di Venezia has long been interested in the world of applied arts, and in 2016 initiated a collaboration with the V&A establishing the Pavilion of Applied Arts. The two institutions use the Pavilion to explore this subject and take turns curating an exhibition each year. Last year the V&A curated A World of Fragile Parts, devoted to the past and future of copying cultural heritage, shown as part of the 15th International Architecture Exhibition.

La Biennale di Venezia President Paolo Baratta, stated:  “The first edition of the Pavilion of Applied Arts took place in 2016 in collaboration with the Victoria and Albert Museum. This year, according to the agreement, it was up to La Biennale to pick a theme. Therefore, we chose to ask Jorge Pardo to develop a project devoted to the DISPLAY, a theme that could lead to contributions lying halfway between Art and the „Arts and Crafts“.

Besides the pavilion, that has been conceived and curated by the Cuban-American artist, the project will also include the next edition of the ‘La Biennale Summer School’.

The theme of „Display“ is bound to draw long-lasting attention, because of its breadth and of the large number of situations in which the act of displaying can challenge artistic thought and practices bridging art and applied arts.  It would perhaps be a good idea to systematically focus on it for the ‘Biennali’ to come. We shall see!”

V&A Director Tristram Hunt stated:  „The Victoria and Albert Museum was founded after the 1851 Great Exhibition, and has always combined display and teaching to advance our knowledge of the fine, applied and industrial arts. We are delighted to be joining forces with La Biennale di Venezia again this year on this Pavilion of Applied Arts at the 57th International Art Exhibition, helping to host the exhibition by Jorge Pardo and working together on a summer school that will study the history of the homes we provide for objects-pavilions, museums, shops, and houses. As another machine for display and engine for learning, La Biennale is our perfect partner for the exploration of the applied arts and the contexts that give them life“.

In addition to curating the Pavillion of Applied Arts, the collaboration between La Biennale di Venezia and the V&A has also established La Biennale Summer School. The inaugural week long course took place in July 2016 and was organised in collaboration with La Biennale de Venezia, the V&A and the University of Applied Arts, Vienna.  The twenty-three participants represented a wide range of professions and included architects, communications professionals, journalists, academics, designers and artists. A large proportion were students or recent graduates in the fields of architecture, landscape architecture, law, and industrial design.

About the V&A The V&A is the world’s leading museum of art, design and performance with collections unrivalled in their scope and diversity. It was established to make works of art available to all and to inspire British designers and manufacturers. Today, the V&A’s collections, which span over 5000 years of human creativity in virtually every medium and from many parts of the world, continue to intrigue, inspire and inform. www.vam.ac.uk

Italian Pavilion 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia

Il mondo magico, curated by Cecilia Alemani, presents the work and research of three Italian artists—Giorgio Andreotta Calò, Roberto Cuoghi, and Adelita Husni-Bey—who show a new faith in the transformative power of the imagination and an interest in magic. Through myriad references to fancy, fantasy, and fable, they turn art into a tool for inhabiting the world in all its richness and multiplicity.

The title of the exhibition is borrowed from the book Il mondo magico by Neapolitan scholar Ernesto de Martino, who conducted seminal research into the anthropological function of magic. De Martino spent years studying a range of rituals, describing them as devices through which individuals try to regain control in times of uncertainty and reassert their presence in the world. Il mondo magico, written during World War II and published in 1948, ushered in a series of reflections and analyses of a body of beliefs, rites and myths which de Martino continued to explore for decades, as one can see from both his “Southern” trilogy (Morte e pianto rituale, Sud e Magia, La terra del rimorso) and the collection of writings posthumously published as La fine del mondo.

Within the landscape of contemporary Italian art, Giorgio Andreotta Calò, Roberto Cuoghi, and Adelita Husni-Bey use magic as a cognitive and expressive device for reconstructing reality, forging complex personal cosmologies. These three artists see themselves not just as fabricators of artworks, but as active interpreters and creators of the world, which they reinvent through magic and the imagination. For Andreotta Calò, Cuoghi, and Husni-Bey, magic is not an escape into the depths of irrationality so much as a new way of experiencing reality. They do not share any particular stylistic tendency, but rather the impulse to develop complex aesthetic universes that eschew the documentary-style narrative found in much recent art, relying instead on a form of storytelling woven from myths, rituals, beliefs, and fairy tales. Il mondo magico therefore sees the artist not just as a fabricator of works and objects, but above all a guide, interpreter, and creator of possible worlds. Like the rituals described by de Martino, the works of Andreotta Cal

Cuoghi, and Husni-Bey present situations of crisis that are resolved through processes of aesthetic and ecstatic transfiguration. If one looks closely, these works offer up the image of a country—both real and fanciful—where ancient traditions coexist with new global languages and vernaculars, and where reality and imagination melt together into a magical new world.

For Il mondo magico, Alemani has invited Giorgio Andreotta Calò, Roberto Cuoghi, and Adelita Husni-Bey to create three new projects specifically commissioned and produced for the Italian Pavilion

Cecilia Alemani’s project Il mondo magico is perfectly attuned to Christine Macel’s overall concept for the 57th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. VIVA ARTE VIVA revolves around an idea of humanism that celebrates art’s capacity to help individuals avoid being overpowered by the forces governing our world, forces which when given free rein can gravely circumscribe the human dimension.

In conjunction with Il mondo magico, a program of educational activities geared to students from Italy’s public art academies will be organized with the sponsorship of MiBACT’s Directorate-General of Contemporary Art and Architecture, and Urban Peripheries, in a calendar of events curated by Cecilia Alemani and Marta Papini

The Italian Pavilion has been made possible in part by support from FENDI, main sponsor of the exhibition Il mondo magico.  Technical sponsors of the Italian Pavilion are Biodesign, Criofarma, Laser Digital Film, Fonderia Battaglia, DLW flooring GmbH., Interlinea, Italgelatine, Oikos. Special Thanks to Dario Paini Acoustic Design. Special thanks also to the donors who played a vital role in the project as a whole.

DANZA - Biennale 2017

Dana Michel, afroamericana di Ottawa, Leone d’argento 2017, è un’artista che fa della propria autobiografia motivo di ricerca:“lavorare attingendo alla propria esperienza personale è la strada migliore per raggiungere un’auto-consapevolezza e per creare una significativa connessione con gli altri”, dichiara.

I suoi lavori si caratterizzano per una sorta di “bricolage post culturale” dove tutto entra – momenti live, manipolazione di oggetti, frammenti di storia personale, desideri, preoccupazioni del momento – creando un centrifugato di esperienza empatico tra l’artista e gli spettatori. Come in Yellow Towel (Tese dei Soppalchi, ore 19.00), in cui la Michel rievoca l’asciugamano giallo con cui si fasciava la testa da bambina per imitare le sue compagne di scuola, tutte inesorabilmente bionde, e che diventa occasione per stigmatizzare e capovolgere gli stereotipi della cultura black. Fortemente influenzata dall’estetica della moda, dei videoclip musicali, della cultura queer, Dana Michel è un’artista che parla del contemporaneo attraverso un linguaggio coreografico multiforme e sorprendente. La pratica artistica di Dana Michel esplora le molteplici sfaccettature dell’identità contemporanea e multiculturale attraverso l’uso dell’improvvisazione e dello scavo interiore dell’artista.

A seguire lo spettacolo, Cerimonia di consegna del Leone d’Argento.

Prova esemplare della danza stupefacente di Marie Chouinard, dove ogni gesto è un pensiero, è Soft virtuosity, still humid, on the edge (Teatro alle Tese, ore 21.30), creato nel 2015, è un excursus sulle molte forme del camminare (affannoso, zoppicante, sfrenato, divertente, sulle punte, sulle mezze punte…). In questo deambulare da un lato all’altro del palcoscenico, che è anche il mondo, i personaggi anonimi interpretati dai dieci danzatori della compagnia si incontrano, formano gruppi, si separano, si agitano e se ne vanno.

Dice Marie Chouinard: “I danzatori lavorano partendo da una torsione, da un movimento viscerale e interno. Questo movimento sale passando per il cuore e la gola fino a riflettersi sul volto degli interpreti e a trasformarlo. È qualcosa che nasce da uno stato interno con una forza talmente potente che il viso ne è trasfigurato. Non avere nessun giudizio e lasciare il flusso del movimento libero di scuoterci dall’interno. Non definire l’emozione per evitare di cristallizzarla, e per lasciarle la possibilità di trasformarsi, di seguire il suo corso. È un lavoro complesso e quando i danzatori padroneggiano questo processo, ne sono soggiogata”.

A seguire lo spettacolo, conversazione con Marie Chouinard.

Biennale College – Danza: 3 coreografi

È la seconda serata dedicata a Biennale College – Danza, che promuove i talenti offrendo loro di operare a contatto di maestri per la messa a punto di creazioni. Alla prova del palcoscenico, dopo i danzatori, sono tre nuovi coreografi selezionati dalla Direttrice Marie Chouinard: dopo 6 settimane di lavoro con 7 danzatori professionisti presentano al pubblico tre brevi coreografie originali (Teatro Piccolo Arsenale, ore 21.30).

Sono: l’italiana Irina Baldini, 29 anni, formata al Laban Centre, attiva come danzatrice con Charles Linenhan, Yvonne Rainer, Xavier Leroy, Marten Spangberg, Simone Forti e altri, prima di intraprendere l’attività di coreografa; l’australiana Chloe Chignell, 24 anni, attiva con Leah Landau, Ellen Soderhult, Rebecca Jensen, Marten Spangberg e altri, prima di dedicarsi alla coreografia dal 2014; lo spagnolo Joaquín Collado Parreño, 26 anni, attivo con molte compagnie in patria, fra cui La Veronal.

A seguire, conversazione con Irina Baldini, Chloe Chignell, Joaquín Collado Parreño.

La Biennale di Venezia 57th International Art Exhibition “Viva Arte Viva”

The 57th International Art Exhibition, titled Viva Arte Viva, will open to the public from Saturday May 13th to Sunday November 26th 2017 (Giardini and Arsenale) and will be curated by Christine Macel and organised by La Biennale di Venezia chaired by Paolo Baratta. The preview will take place on May 10th, 11th and 12th, the awards ceremony and inauguration will be held on Saturday, May 13th 2017.

The Exhibition will also include 86 National Participations in the historic Pavilions at the Giardini, at the Arsenale and in the city centre of Venice. Three countries will be participating for the first time: Antigua and Barbuda, Kiribati, and Nigeria.

The Italian Pavilion at the Tese delle Vergini in the Arsenale, sponsored and promoted by the Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane, this year will be curated by Cecilia Alemani.

23 Collateral Events, promoted by non-profit national and international institutions, will present their exhibitions and initiatives in Venice during the 57th Exhibition.

The International Exhibition VIVA ARTE VIVA

The Exhibition offers a route that unfolds over the course of nine chapters or families of artists, beginning with two introductory realms in the Central Pavilion in the Giardini, followed by seven more realms to be found in the Arsenale and the Giardino delle Vergini. There are 120 invited artists from 51 countries; 103 of these are participating for the first time.

This is how Paolo Baratta, President of La Biennale di Venezia, presents Biennale Arte 2017, explaining that “the 57th Exhibition introduces a further development. It is as though what has always been our primary work method—encounter and dialogue—has now become the theme of the Exhibition, because this year’s Biennale is dedicated to celebrating, and almost giving thanks for, the very existence of art and artists, whose worlds expand our perspective and the space of our existence.” “Christine Macel has called it an Exhibition inspired by humanism. This type of humanism is neither focused on an artistic ideal to follow nor is it characterised by the celebration of mankind as beings who can dominate their surroundings. If anything, this humanism, through art, celebrates mankind’s ability to avoid being dominated by the powers governing world affairs. These powers, if left to their own devices, can greatly affect the human dimension, in a detrimental sense. In this type of humanism, the artistic act is contemporaneously an act of resistance, of liberation and of generosity.” “There is another aspect of the 57th Exhibition – states Baratta – which alone qualifies it, above and beyond all the themes or narrations: of the 120 artists who have been invited to the Exhibition by our curator, 103 are participating here for the first time. Some are discoveries; many others, at least

for this year’s edition, are rediscoveries. And these courageous choices, too, are a concrete expression of our confidence in the world of art.” “This year, direct encounters with the artists have assumed a strategic role, to the point of becoming one of the pillars of La Biennale, whose program is of unprecedented size and commitment. Our curator’s main Exhibition is surrounded by the 86 pavilions of participating countries, each with its own curator, which will once more bring to life the pluralism of voices which is a hallmark of La Biennale di Venezia.” (The full text of Paolo Baratta is included in the Press Kit)

Christine Macel has declared: “Today, in a world full of conflicts and shocks, art bears witness to the most precious part of what makes us human. Art is the ultimate ground for reflection, individual expression, freedom, and for fundamental questions. Art is the last bastion, a garden to cultivate above and beyond trends and personal interests. It stands as an unequivocal alternative to individualism and indifference.” “The role, the voice and the responsibility of the artist are more crucial than ever before within the framework of contemporary debates. It is in and through these individual initiatives that the world of tomorrow takes shape, which though surely uncertain, is often best intuited by artists than others.” “Viva Arte Viva is an exclamation, a passionate outcry for art and the state of the artist. Viva Arte Viva  is a Biennale designed with artists, by artists and for artists.”

The Nine Trans-Pavilions Each of the nine chapters or families of artists of the Exhibition “represents a Pavilion in itself, or rather a Trans-Pavilion as it is trans-national by nature but echoes the Biennale’s historical organisation into pavilions, the number of which has never ceased to grow since the end of the 1990s.” “From the “Pavilion of Artists and Books” to the “Pavilion of Time and Infinity”, these nine episodes tell a story that is often discursive and at times paradoxical, with detours that mirror the world’s complexities, a multiplicity of approaches and a wide variety of practices. The Exhibition is intended as an experience, an extrovert movement from the self to the other, towards a common space beyond the defined dimensions, and onwards to the idea of a potential neo-humanism.” “Viva Arte Viva also seeks to convey a positive and prospective energy, which whilst focusing on young artists, rediscovers those passed away too soon or those who are still largely unknown despite the importance of their work.” “Starting with the Pavilion of Artists and Books, the Exhibition reveals its premise, a dialectic that involves the whole of contemporary society, beyond the artist himself, and addresses the organisation of society and its values.” “Art and artists are at the heart of the Exhibition, which begins by examining their practices, the way they create art, halfway between idleness and action, otium and negotium.”

Open Table (Tavola Aperta), Artists’ Practices Project, Unpacking My Library: a series of parallel projects and performances will animate the Exhibition following the same curatorial premise, which is to place artists at the art of the Exhibition.

Open Table (Tavola Aperta) Each Friday and Saturday of every week, during the six months of the Exhibition, artists will host an Open Table (Tavola Aperta) and meet visitors over a casual lunch to hold a lively conversation about their practice. These bi-weekly events will be organised in two dedicated spaces refurbished for this purpose, in front of the Central Pavilion of the Giardini and in the new Sala d’Armi in the Arsenale. The Open Table (Tavola Aperta) events will be live-streamed on La Biennale’s website.

Artists’ Practices Project In the Central Pavilion at the Giardini and in the Sale d’Armi at the Arsenale a space will also be created for the Artists’ Practices Project, including a series of short videos made by the artists about themselves and their way of working.

“These two parallel projects – commented Macel – are open to all artists of Biennale Arte. All National Pavilions are welcome to host their own Open Table (Tavola Aperta) event on Wednesdays and Thursdays, and to add videos to the database on the artists.”

Unpacking My Library Finally, the project titled Unpacking My Library, inspired by Walter Benjamin’s essay published in 1931, allows the artists of Viva Arte Viva to compile a list of their favourite books. This is both a way to get to know the artists better and a source of inspiration for the public. The list of books will be published in the Exhibition at the Central Pavilion and in the catalogue. The books listed by all the participating artists will be available to visitors at the Stirling Pavilion in the Giardini.

Special Projects and Performances Besides the main Exhibition in the Central Pavilion and in the Arsenale, several Special Projects and Performances have been commissioned especially for the Giardini, the Giardino delle Vergini and other Exhibition venues. A dense programme of approximately twenty performances will be held during the opening week. The performances will all be live-streamed on La Biennale’s website. The videos will remain on view in a dedicated multimedia room in the Central Pavilion and in the Arsenale.

Bastards MC meets Burlesque in Waiblingen

Am Freitagabend fand die Veranstaltung Bastards MC meets Burlesque Vol.4 in Waiblingen statt. Organisiert wurde es seitens der Bastards MC und der Künstlerin Celeste de Moriae.
Aus einer Überlegungen heraus wie man dem Publikum im Clubhaus etwas bieten kann, entstand die Idee mit der langjährig befreundeten Künstlerin Celeste de Moriae, erstmals eine Burlesqueshow zu präsentieren.
Ziel der Veranstaltung war es, Abbau von Vorurteilen und die Zusammenführung zwischen dem Motorradclub und Kunst. Die Bastards MC sind also nicht nur einfach ein Motorradclub. Sie engagieren sich für viel soziale Projekte. Zum einen riefen sie eine Spendenaktion auf Waiblinger Weihnachtsmarkt zu Gunsten der Anlaufstelle gegen Gewalt und sexuellen Missbrauch ins Leben, fördern schon mehrere Jahre diverse Nachwuchsbands.
Der Bastards MC Waiblingen wurde im Jahr 2002 gegründet und ist seither das älteste Bastards MC – Chapter in Deutschland. Im Jahr 2005 folgte dann der Zusammenschluss Bastards MC Deutschland und Bastards MC Schweden unter einem gemeinsamen Colour. Der Name Bastards steht daher in unserer Interpretation als Zusammenführung verschiedener Kulturen. Insgesamt gibt es 11 Chapter, davon 2 in Schweden. Seit 2013, nachdem der ursprüngliche Organisator aufgehört hat, haben Sie das US Car-Treffen in Waiblingen / Neustadt übernommen und dieses Treffen zu einer festen Größe in der Waiblinger Kulturlandschaft etabliert.
Im Verlauf des Abends im Bastards MC Clubhaus zeigten die Künstlerinnen unterschiedliche Showeinlagen. Sie performten einen bezaubernden Mix aus Tanz, Magie im burlesquen Stil.
Celeste de Moriae, die Mitveranstalterin von Bastards MC meets Burlesque, Producerin des Croatian Burlesque and Cabaret Festivals zeigte mit ihrer Performance eine atemberaubende Show und startete so den Auftakt des Abends.
Die Künstlerin Celeste de Moriae, ist eine internationale Künstlerin, die schon auf einigen Bühnen dieser Welt performte. Mystisch, elegant, verzaubernde Nummern im modernen Burlesque Stil, in einigen Nummern gepaart mit wundervollen Gesang. Hier trifft kroatisches Temperament auf Burlesque.
Sie ist mehrfache Award Gewinnerin in der Burlequeszene. Eine internationale Künstlerin, die schon auf einigen Bühnen dieser Welt performt hat.
Durch ihre fesselnden Mimik wird auch ‚the face‘ genannt. Ein Fotograf sagte auch über sie „she have more faceexpression as Jimm Carrey“.
Ein weiteres Highlight an diesem Abend war die Künstlerin Maya Full Power.
Maya Full Power ist eine Performerin aus Brno, Czech Republic , für die Burlesque zu einen großen Teil ihres Lebens gehört. Maya Full Power, eine der Gewinnerinnen des Croatian Burlesque and Cabaret Festivals von 2017.
Maya Full Power ist eine Burlesque, tribal fusion Bauchtänzerin, Coach und Circus Artistin. Sie reist sehr viel, performt seit 12 Jahren international und teilt ihre Liebe zum Burlesque.

Morgen und Abend - Oper von Georg Friedrich Haas

Eines Morgens fühlt der alte Fischer Johannes die Schwäche seines Körpers nicht mehr; er begegnet seiner verstorbenen Frau, seinem toten Freund, geht unsichtbar an seiner Tochter vorüber. An der Schwelle zum Tod lässt Johannes im Roman Morgen und Abend des erfolgreichen norwegischen Autors Jon Fosse sein Leben vorüberziehen.

Georg Friedrich Haas’ hoch expressive Vertonung dieses Stoffes geriet bei der Uraufführung am Royal Opera House Covent Garden London im November 2015 zu einem außerordentlichen Triumph. Bereits 15 Monate nach dieser Uraufführung stellen wir die erste Neuinszenierung dieser hochemotionalen siebten Haas-Oper vor. Regie führt Ingo Kerkhof, der in Heidelberg bereits mit der Zweitinszenierung von Wolfgang Rihms Dionysos Aufsehen erregte.

Georg Friedrich Haas ist Komponist für Heidelberg 2016|17. Der 1953 in Graz geborene Komponist ist heute einer der wichtigsten europäischen Komponisten. Mit ganz wenigen Ausnahmen schreibt er mikrotonale Stücke, deren magische Klangwelt die Hörer in Rausch versetzen kann.

Der Roman Morgen und Abend von Jon Fosse umfasst die Lebensspanne des Fischers Johannes. Erzählt wird von seiner ersten sowie seiner letzten Stunde. Das kann beim Leser – und beim Hörer der Oper – existenzielle Fragen auslösen. Einigen möchten wir im Rahmen einer Vortragsreihe gemeinsam nachgehen. Jeweils im Anschluss an die Opernvorstellung werden ausgewählte Persönlichkeiten über Themen wie Abschiednehmen, Vorbereitung auf den Tod und Nahtoderfahrung sprechen sowie über künstlerische Aspekte des hochgelobten Romans von Jon Fosse.

Ein Sommernachtstraum

Herzog Theseus rüstet zur Hochzeit mit der besiegten Amazonenkönigin Hippolyta. Auf einer Lichtung proben zu diesem Anlass Handwerker »die höchst beklagenswerte Komödie von Pyramus und Thisbe«. Zerstrittene Liebespaare fliehen in den Wald. Dort entfaltet sich die außermenschliche Zauberwelt der Naturgeister. Eifersüchtiger Streit herrscht zwischen dem Elfenkönig Oberon und seiner Gemahlin Titania. Um diese zu bestrafen, lässt Oberon den Kobold Puck eine Wunderblume bringen, durch deren Kraft Titania sich beim Erwachen in die erstbeste Kreatur verlieben muss. Die Nacht lockt ihre eigenen Geschöpfe hervor, lässt die dunkle Seite der Liebe aufscheinen und auch den Ort der Handlung plötzlich ganz anders aussehen, ungebändigt und wild wuchernd. Der neue Tag hingegen macht, was nachtsüber aus den Fugen geriet, wieder vergessen. Oder war alles bloß ein Traum? »Der Mensch ist nur ein Esel, wenn er sich daran macht, diesen Traum zu deuten«, sagt am Ende Klaus Zettel, der Weber, dem in dieser Nacht besonders übel mitgespielt worden ist. Und Recht hat er.

Mit Ein Sommernachtstraum (A Midsummer Nightʼs Dream, 1595) inszeniert Holger Schultze die berühmteste, motivreichste, zauberhafteste Komödie aus dem großen Shakespeare-Kosmos.

In der Art Basel Woche dreht sich in Basel alles um Kunst

In ganz Basel spürt man Adrenalin Pur. Rund 100.000 Besucher versammeln sich in Basel und feiern. Was? Die Kunst. Nicht nur auf dem Messeplatz in Basel geht es um Kunst....

Ralph Gelbert zeigte eine Auswahl aktueller Arbeiten

Der international renommierte Künstler Ralph Gelbert öffnete sein Atelier in Neustadt-Königsbach zu seiner Werkschau und zeigte eine Auswahl aktueller Arbeiten.

Der  Künstler Ralph Gelbert studierte an der „Accademia Belle Arti“ in Florenz, für die er 1993 ein Stipendium erhielt ein Kunststudium bis 1996.

Nach zahlreichen Studienaufenthalten, in Europa (Italien, Irland, England, Bosnien-Herzegowina), in Südamerika und Afrika ist Ralph Gelbert seit 2007 auch Lehrbeauftragter an der Kunstakademie in Bad Reichenhall und der Akademie der bildenden Künste in Kolbermoor. Seit 2008 organisiert und leitet Gelbert das mittlerweile 4.“Internationale Künstler-Symposium in Neustadt an der Weinstraße“.

Als Dozent lehrt Gelbert seit 2008 auch im Fachbereich Virtual Design und Innenarchitektur an der Fachhochschule in Kaiserslautern. Zusammen mit Stefan Engel und Klaus Hartmann bildet er den Vorstand der Arbeitsgemeinschaft Pfälzer Künstler. Persönlichkeiten wie Max Slevogt, Hans Purrmann, Hermann Croissant und Otto Dill zählten zu ihren Mitgliedern.

Gelberts Werke sind meist großformatige Bilder. Auf den ersten Blick wirken sie ungeordnet und erst beim genaueren Betrachten entwickeln die einzelnen Farbkompositionen und die Verbindung verschiedener Techniken und Materialien zu einem Gesamtbild. Man erkennt stets sehr komplexe Strukturen. Ralph Gelbert malt in Schichten mit satten bis grellen Farben  und entfesselt so die individuelle Kraft jeder Farbe.

Ralph Gelbert kennt die Sprache der Farben wie kaum ein anderer. In seiner abstrakten und sehr expressiven Malerei bevorzugt er reine und leuchtende Farben, die er a la prima auf die Leinwand bringt. Er malt vorwiegend in Öl und muss jede Farbe erst etwas trocknen lassen, ehe eine zweite hinzukommen kann. Mischen sich nämlich Farben auf der Leinwand, verschmutzen sie leicht. Besonders gefährlich sind Komplementärfarben, die sich zu unserem ungeliebten Grau vermengen, und damit alle Kraft und Aussage verlieren. Meist nutzt der Künstler diese Trocknungsphasen, um an anderen Bildern weiter zu malen. Dabei bekommen nicht nur die Ölfarben ihre Zeit: Jedes Bild kann reifen und sich so allmählich vollenden.

In seinem Atelier, ein großes lichtdurchflutetes gewölbtes Fenster, umgeben von einem schönen angelegten Garten und inmitten der Weinberge

www.gelbert.com

 

57th International Art Exhibition La Biennale di Venezia in collaboration with Vela and Venezia Unica

Again in 2017 Vela spa, commercial company responsible for mobility services and marketing of the City of Venice, finalized collaboration details with La Biennale di Venezia, confirming itself as supplier and referral point for the City’s tourist and cultural operators and institutions. The agreement between Vela and La Biennale di Venezia for the 57th International Art Exhibition – La Biennale di Venezia ‘VIVA ARTE VIVA’ – which will take place from May 13th to November 26th 2017 – includes a reciprocal exchange allowing La Biennale to promote its ventures all over the city, and Vela to support La Biennale – one of the most prestigious, international, cultural events, while promoting its “Venezia Unica” brand at the same time.

Vela, group company of Gruppo AVM (Azienda Veneziana della Mobilità), manages the Venezia Unica marketing platform for citizen and tourist services: a standard city pass offering an integrated package of products and services for both the purchase of tickets for Biennale Arte 2017 and the access to public transport services, transfers, parking, museums, churches, theatres, guides and audio-guides, Wi-Fi and public restrooms. To begin with, the Venezia Unica system can be found on www.veneziaunica.it, – the City of Venice’s official portal for tourist information and e-commerce – and in the direct Venezia Unica ticket offices – with more than 200 multilingual clerks involved in face-to-face customer assistance – situated at various public access points to the historic centre, on islands and on the mainland.

Actv spa – also group company of Gruppo AVM – is the local public transport company guaranteeing visitors day-long connections by public means of transport to the venues of the Biennale Arte e.g. the Arsenale and the Giardini. The AVM Venezia Official App, available in Italian and English for IoS (Apple App Store) and Android (Google Play), enables users to purchase (online by VISA or MasterCard) and validate local Actv public transport tickets (ordinary tickets and CartaVenezia tickets for frequent users) in both bus and navigation sectors. The App also allows to get timetable information for all Actv services straight from the smartphone. Actv spa is the only Italian public transport company managing bus, waterbus and tram services at the same time. With more than 2,800 employees, it transports 120 million passengers a year on its 25-line waterbus and 2-line tram systems and on more than 100 bus routes winding through 45 different municipal areas in 4 different provinces.

Maxime Ephritikhine - French young fashion designer based in Paris

Maxime Ephritikhine – French young fashion designer based in Paris

Maxime Ephritikhine creates men and women’s accessories, made with natural and luxurious fabrics. Each product is hand-made and guarantee the finest quality. EpithuxikHarmonie creations reflect the designer’s personality, full of contrasts.

A contemporary and traditional imprint, to create tomorrow’s basics ; full of elegance and subtility with a lasting touch of light.

 

PREMIUM is proud to present once again the PREMIUM YOUNG DESIGNERS Spring/Summer 2018

Up-and-coming young talent will be the foundation of the fashion industry of tomorrow. For that reason, PREMIUM is proud to present once again the PREMIUM YOUNG DESIGNERS Spring/Summer 2018.

ROBERTA EINER

Roberta Einer moved from Tallinn, Estonia, to England at a young age in order to dedicate herself fully to her passion for fashion. After studying Art & Design at Central Saint Martins in London she successfully completed a degree in Fashion Design at the University of Westminster and founded her brand, named after herself, in September 2015. She worked briefly at luxury label Balmain, which turned her previously minimalist aesthetic completely on its head. There, Roberta learned just how much fun unorthodox design can be. Since then she has adapted traditional couture techniques and breathed new life into them in her own distinctive, vibrant and playful way. She experiments with ornamental patterns, expressive colours and imaginative appliqué. Her designs are unique – adorned over and over with opulent decoration and illustrative, tonal embroidery.

www.robertaeiner.com

DIMA LEU

Dima Leu takes sportswear to a new level. Born in Moldova and raised in Italy, maverick Dima completed his Fashion Design degree in 2013 at the University of Venice and subsequently developed his Sport Suit project. This project explored the boundary between suits and tracksuits and resulted in the development of tailored sportswear – perfectly cut, sporty and uncomplicated two-pieces with repeating elements such as rubber straps, white zips and drawstrings. Dima Leu’s understanding of fashion originates from his keen interest in non-verbal communication. The way in which people interact and communicate through their clothes has always fascinated him. For Dima Leu, clothing is a powerful tool through which we can explore and express our personal identities.

www.dimaleu.com

EJING ZHANG

It was when she was studying for her Textile Design degree at the Royal College of Art in London that Ejing Zhang perfected the technique for creating her unique pieces of jewellery. Layers of wafer-thin resin threads are cast and then cut into sheets. In this way she creates surrealistic compositions composed of rich colours and organic patterns. This unusual process has gained her international attention – and given her the chance to design trophies for the Global Fashion Awards in London’s Victoria & Albert Museum. Ejing officially launched her jewellery line in September 2015. Since then her brand has quickly grown to become a lifestyle collection that, today, is sold in boutiques from New York to London and Shanghai. Her latest designs feature vibrant colours and dynamic threads are artfully translated into bold and everyday pieces of jewellery. Inspired by simple architectural lines, rugged landscapes and sculptural forms, Zhang’s designs combine resin and metal to create miniature works of art.

www.ejingzhang.com

PYRATES

Synergy between fashion, nature and technology: the Swiss label Pyrates develops super-smart textiles that heal, soothe and look after the body. The intelligent properties of the Pyratex® fabric are neither injected nor added, but rather incorporated naturally into the fabric and therefore cannot be washed out – nor do they have an expiry date. Founder Regina Polanco is the woman behind the label. Together with her Creative Director, Zuzana Kralova, she has designed a smart activewear collection with unique features – for example, unisex hoodies that soothe the muscles and strengthen the immune system, or shorts that moisturise the skin with seaweed extract. The young pioneer in smart fabrics researches new technology daily: “I believe that the future of fashion is strongly tied up with health and well-being. Just as superfoods are the way food is evolving, smart fashion is the logical evolution of fashion”.

www.pyrates.ch

 

 

Robert Fry and Tina Schwarz / GALERIE KORNFELD

Mit Tina Schwarz und Robert Fry stellt die Galerie erstmals zwei malerische Positionen gegenüber, die in ihren Gemälden mit dem Körper als Träger allgemein menschlicher Emotionen und Gefühle arbeiten. Ungeachtet der Unterschiede in Thematik, Motivik und künstlerischem Ausdruck zeichnen sich die Werke beider durch die Kombination abstrakter und gegenständlicher Formen sowie die Verwendung einer Vielzahl malerischer Modi in ein und demselben Bild aus. Die Betrachter sind eingeladen, die imaginären Assoziationsräume beider Künstler zu betreten, in denen eine Vielzahl von Themen anklingen. Eindeutige Aussagen werden aber bewusst zugunsten einer inszenierten Mehrdeutigkeit vermieden.

Der 1980 in London geborene Robert Fry arbeitet stets in Werkgruppen oder Serien. In der Konzentration auf den menschlichen Körper sind seine Gemälde den Werken von Lucien Freud oder Francis Bacon verwandt, daneben finden sich Einflüsse von Künstlern wie Willem De Kooning, Robert Motherwell oder Mark Rothko. Die wechselhaften Beziehungen der Geschlechter sowie das oftmals spannungsvolle Verhältnis von Individuum und Anderem, von Geist und Körper sind zentrale Themen seiner Malerei.

 

Seine aktuellen Gemälde bezeichnet der Künstler als „Square Paintings“, großformatige, quadratische Leinwände, die von Gegensätzen geprägt sind: Figuration vs. Abstraktion, Körper vs. Fläche, Ornament vs. Geste…. Sie zeigen vier menschliche Körper, männliche ebenso wie weibliche, umgeben von einem abstrakten Farbraum. Die silhouettenhaft wiedergegebenen Figuren sind mal monochrom, mal mit farbigen, geometrischen Feldern gefüllt. Wieder andere sind mit Körperteilen und Gesichtern versehen, die mit wenigen, gezielt gesetzten Strichen gezeichnet sind. Spuren des Gestischen wie Tropfen, Farbspritzer oder kraftvoll gezogene Linien und Linienknäuel überlagern streng definierte Farbflächen, lasierend gestaltete Partien stehen neben solchen, in denen die dick aufgetragene Farbe zur körperlich fassbaren Materie wird. Buchstaben, die sich nicht immer sofort zu Wörtern zusammenfügen, treten ergänzend hinzu. Der bildimmanente Rahmen – ein Charakteristikum aller Werke von Robert Fry – ist auf zwickelartig die vier Ecken des Bildfeldes ausfüllende Formen reduziert und wird erstmals auch von den Figuren partiell überschnitten.

Neue Radierungen, in denen der Künstler seine Untersuchungen des Raums weiterführt und dabei motivisch auch an frühere Werkgruppen anknüpft, runden die Ausstellung ab.

Robert Fry studierte in Oxford und war für den angesehenen John Moores Contemporary Painting Preis nominiert. 2016 wurden Werke von ihm gemeinsam mit namhaften KünstlerInnen wie Marina Abramovic, Louise Bourgeois, Paul Cézanne, Tracey Emin oder Egon Schiele in der Ausstellung „The Nude in the XX & XXI Century“ bei S|2 in London gezeigt, 2015 wurde er als einer der „100 Painters of Tomorrow“ in der gleichnamigen Publikation bei Thames and Hudson hervorgehoben. Seine Werke waren in der Eremitage in St. Petersburg, in Los Angeles und im Rahmen zahlreicher Ausstellungen in Europa zu sehen und finden sich in bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen wie der Saatchi Collection, dem Museum für Moderne Kunst in Moskau oder der Sammlung von Mario Testino.

Tina Schwarz (*1977 in Friedberg) weilte 2016 im Rahmen einer Residency von Hooper Projects für längere Zeit in Los Angeles. Bevor sie an der Akademie in Maastricht Bildende Kunst studierte, war sie als Tänzerin an der Dansacademie in Arnhem eingeschrieben. Es erscheint daher beinahe folgerichtig, dass sich ihre Werke bis heute durch eine Körperlichkeit auszeichnen, die immer auch Spuren der Bewegungen im Prozess des Malens sind. „Ein Körper erzählt die Geschichte seines ‘Wirtes’“, schreibt Tina Schwarz, „und so mag es sein, dass das Durchmessen der Leinwand mit Ölfarbe, Kreide, Stiften etc. die einzige pure Form meiner Erinnerung ist.“ Erinnerung ist innere Bewegung, und auf den Bildern von Tina Schwarz wird diese Bewegung zur sichtbaren Form. Das Physische erscheint als Ausdruck des Psychischen, das Impulse gibt, die sich dem Bewusstsein ebenso wie dem Unbewussten verdanken.

 

Die neuen Werken von Tina Schwarz zeigen mehrere Figuren in unterschiedlichen Konstellationen. Tanzend scheinen sie sich gegenseitig von der Leinwand schieben zu wollen. Gegensätze und Widersprüche lässt die Künstlerin nicht nur stehen, sondern inszeniert diese: Momente der Eskalation stehen neben einer Relativierung der Zeit durch ein Einfrieren dynamischer Prozesse, skizzenhafte Partien werden kontrastiert durch detaillierter ausgeführte Bereiche, Farbe steht neben Zeichnung, Vielfalt neben Reduktion.

Oft gibt es literarische Anregungen, aber auch die Zeichnungen und Grafiken der Alten Meister dienen als Inspiration für ihre Gemälde und die parallel entstehenden Zeichnungen und Collagen: Rembrandt, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, Goya, Velazquez, aber auch George Grosz, Otto Dix, Henri de Toulouse-Lautrec, Willem de Kooning, Francis Bacon. Künstler der Menschen und des Menschlichen.

Tina Schwarz verharrt jedoch nicht in der Paraphrase, sondern zielt auf eine Aktualisierung des Inhalts ebenso wie der künstlerischen Form. Oder anders: die thematischen und motivischen Anregungen zielen auf das Heutige, gespiegelt in der Historie. Am Zeitlosen orientiert, ohne das Zeitgenössische zu verleugnen strebt sie nach Gleichnishaftem und errichtet zugleich ein polyfokales Labyrinth aus Ungewissheiten.

Die Werke von Tina Schwarz wurden im Rahmen zahlreicher Ausstellungen in den USA und Europa präsentiert und finden sich beispielsweise in der Rema Hort Mann Foundation in New York. Hervorzuheben ist ihre Beteiligung an der Ausstellung „Ein Zimmer für Alfred Flechtheim“ im Osthaus Museum in Hagen 2015 sowie ihre Teilnahme an einer Ausstellung in Münster anlässlich der Skulptur Projekte 2017.

Für Fragen oder weitere Informationen zu unserer Ausstellung und den beiden KünstlerInnen stehen wir Ihnen selbstverständlich gerne zur Verfügung.

Druckfähiges Bildmaterial oder weitere Abbildungen senden wir auf Anfrage gerne zu.

Wir freuen uns auf Ihre Berichterstattung und senden freundliche Grüße,
Tilman Treusch

Kontakt
Dr. Tilman Treusch:
treusch@galeriekornfeld.com

GALERIEKORNFELD
Kunsthandel GmbH & Co KG
Fasanenstraße 26
10719 Berlin
Germany

Weltklang – Nacht der Poesie

Lesung & Performance

Mit John Burnside GBR | Yasuki Fukushima JPN | Arnon Grünberg NLD | Mila Haugová HUN/SVK | Dagmara Kraus DEU | James Noël HTI | M. NourbeSe Philip TTO/CAN | Sergio Raimondi ARG | Charlotte Van den Broeck BEL | Jan Wagner DEU
Musik: El Congo Allen CUB/DEU
Moderation: Claudia Kramatschek DEU Literaturkritikerin

Ein Panorama zeitgenössischer Dichtung: Dichterinnen und Dichter aus allen Teilen der Welt lesen, performen und singen in ihrer Muttersprache. Exklusiv für diesen Abend erscheint eine Anthologie mit den deutschen Fassungen der Texte zum Mitlesen.

Den Auftakt des diesjährigen Weltklangs bildet eine Performance über Herkunft, Heimat und Identität der flämischen Dichterin Charlotte Van den Broeck (geb. 1991 in Turnhout) und des niederländischen Autors Arnon Grünberg (geb. 1971 in Amsterdam).

Die Gedichte des schottischen Autors John Burnside (geb. 1955 in Dunfermline) fangen auf einzigartige Weise „das Andersleben der Dinge ein“. Die sprachgewaltigen Texte widmen sich dem „großen Spektakel des Realen“, folgen dem Flug von Fleckenkäuzen, beschreiben das metallische Rauchgrau des Himmels und die Membranen gestrandeter Quallen.

Yasuki Fukushima (geb. 1943 in Tokio) ist einer der expressivsten Gegenwartslyriker Japans. Seine „zekkyō tanka“ (geschriene Tankas) trägt er zu Musik vor, laut und drängend. Dabei setzt er seine Verse in Dialog zu den Texten anderer Autoren, sprengt die Grenzen zwischen Eigenem und Fremdem. Fukushimas Performances sind wie Jazz: Keiner seiner Auftritte gleicht dem anderen.

Körper und Gedicht sind enggeführt in der Lyrik von Mila Haugová (geb. 1942 in Budapest, lebt in Bratislava). Die Dichtung der Slowakin ist immer anspielungsreich. Natur, Liebe, Erinnerung und Verlust werden untrennbar miteinander verwoben: Gedichte wie „halb- / durchlässige membrane“, fragil und kraftvoll zugleich.

Die Gedichte von Dagmara Kraus (geb. 1981 in Wrocław, Polen) sind eine „vokabelfrohe Mischung aus Sprachfetischen, Wortüberdrehtheiten und Einspeisungen aus entlegenen Begriffs- und Namensarchiven“ (Michael Lentz). An diesem Abend schöpft Kraus aus dem reichen Fundus antiker Trauerkultur und moderner Plansprachen.

James Noël (geb. 1978 in Hinche, Haiti) gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen Autoren Haitis. Er betreibt poetische Erregung als oberste Form von Engagement. Seine Gedichte stecken voller wuchtiger Bilder: Die Sonne hat ein Höllenherz, der Himmel ist eine bemalte Hülle, das Meer der beste aller Filme. Noël bedichtet damit die „Migration der Mauern“: Fluchtbewegungen zwischen Ruinen und Grenzwällen.

M. NourbeSe Philip (geb. 1947 in Moriah, Trinidad und Tobago) liest aus Zong! (Wesleyan University Press 2008), einem herausragenden Werk der konzeptuellen Dichtung. Sie verfremdet einen juristischen Bericht aus dem 18. Jahrhundert über den Tod von 150 Afrikanern auf einem Sklavenschiff. Der historische Text löst sich auf und wird zu einer Stimmen-Kakophonie.

Sergio Raimondi (geb. 1968 in Bahía Blanca, Argentinien) ist der Dichter der globalisierten Welt schlechthin und ihr radikaler Kritiker. Raimondi vermag es, in nur wenigen Versen die Grundsatzfragen der politischen Ökonomie auf eine Scheibe Kastenbrot herunterzubrechen. Seine Dichtkunst ist wie ein „Muskel, der abstrahieren kann“.

Die dichterischen Wurzeln von Charlotte Van den Broeck liegen im Spoken Word. Sie ist eine grandiose Performerin. Mit ihren beiden Gedichtbänden wurde sie in ihrem Land zu einem Shootingstar. Van den Broeckerzählt von familiären häuslichen Szenen, von Dingen, die über die Ränder fallen, von Nachmittagen in Relieflettern, mit einer „Leichtigkeit, die sich sträubt. Als sei alles nur eine Murmelbahn“.

Jan Wagner (geb. 1971 in Hamburg) verschmilzt höchste Formbeherrschung mit überraschenden poetischen Wendungen, ohne je traditionalistisch zu sein. Als erster Lyriker erhielt er 2015 den Preis der Leipziger Buchmesse. Er verhilft dem Rettich zum Auftritt im Gedicht, wie auch Mücken als Sphinxleibern und einem Biker in der Weite Montanas.
Projektleitung: Alexander Gumz | Matthias Kniep

Außerdem finden Poesiegespräche mit Sergio Raimondi, Yasuki Fukushima, M. NourbeSe Philip, Mila Haugová und James Noël statt.

18. poesiefestival berlin

Das Haus für Poesie präsentiert auf dem 18. poesiefestival berlin: Europa_ Fata Morgana vom 16. bis zum 24. Juni 2017 rund 170 Dichterinnen und Dichter auf den Bühnen der Akademie der Künste sowie in verschiedenen Stadtteilen. Die Marathonlesung mit dem Schweizer Dichter Franz Dodel, Poets` Corner in den Berliner Bezirken sowie der große Lyrikmarkt zum Abschluss des Festivals stehen bei freiem Eintritt allen Besucherinnen und Besuchern offen.

Marathonlesung „Nicht bei Trost”

Der Schweizer Dichter Franz Dodel liest auf dem 18. poesiefestival berlin gemeinsam mit den Berlinerinnen und Berlinern acht Tage lang aus seinem Langpoem „Nicht bei Trost“. Der sich immer weiter spinnende, aus Haikus bestehende Text umfasst derzeit mehr als 32.700 Zeilen. Ob mit Bühnenerfahrung oder ohne –  alle sind aufgerufen, dem Gedicht auf der Terrasse der Akademie der Künste am Hanseatenweg für einen Ausschnitt die eigene Stimme zu leihen. Als Dankeschön gibt es eine Freikarte für eine Festivalveranstaltung nach Wahl.

Anmeldung unter: marathonlesung@haus-fuer-poesie.org

Poets’ Corner

In Berlin lebende Dichterinnen und Dichter lesen im Rahmen des 18. poesiefestival berlin ihre Werke in Bibliotheken, Galerien und unter freiem Himmel in acht Bezirken. Bei freiem Eintritt können die Berliner im eigenen Kiez zeitgenössische Poesie entdecken – von dem Begegnungs- und Kulturzentrum NOVILLA in Treptow-Köpenick bis zum Vorplatz des Gotischen Hauses in der Spandauer Fußgängerzone.

Standorte: www.haus-fuer-poesie.org/poets-corner

Lyrikmarkt

Den Abschluss des 18. poesiefestival berlin bildet der Lyrikmarkt, auf dem mehr als 40 Verlage und Buchhandlungen zum Schmökern einladen. Begleitet wird der Markt von Kinderprogrammen, Konzerten und Lesungen. Neben dem Festivalthema Europa wird ein besonderes Augenmerk auf Dresden gelegt. Auf einer Open-Air-Bühne zeigen Künstlerinnen und Künstler, dass die sächsische Hauptstadt eine strahlende poetische, vielfältige und multikulturelle Seite hat. Auf dem Programm stehen Bas Böttcher und Tanasgol Sabbagh mit dem Erich Kästner Rapslam, Störaktionen durch das Lyrikkollektiv G13, ein Syrischer Frauenchor, Trickfilmworkshops für Kinder und vieles mehr. Im Buchengarten präsentieren 25 Dichterinnen und Dichter die große Bandbreite deutscher und internationaler Gegenwartslyrik – unter ihnen sind der Mitbegründer der arabischen Moderne, Abbas Beydoun aus dem Libanon, Huchel-Preisträgerin Orsolya Kalász und der isländische Dichter Sjón, der für seine Texte für Björk bekannt ist. Sven Ratzke, ein Homme Fatal der Chanson- und Kleinkunstszene, gibt das große Abschlusskonzert.

18. poesiefestival berlin: Europa_ Fata Morgana

Akademie der Künste, Hanseatenweg 10, 10557 Berlin
Das poesiefestival berlin ist ein Projekt des Hauses für Poesie in Kooperation mit der Akademie der Künste. Es wird gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds und das Auswärtige Amt.

Das 18. poesiefestival berlin / James Noël

Das 18. poesiefestival berlin: Europa_ Fata Morgana startete am 16. Juni 2017. Das Haus für Poesie erwartet rund 170 Dichterinnen und Dichter sowie Künstlerinnen und Künstler aus 42 Ländern. Wunsch, Fata Morgana oder Realität – die Europäische Union ist ins Wanken geraten und mit ihr europäische Werte wie Meinungs- und Kunstfreiheit, Vielfalt und Demokratie. Das neuntägige Festival präsentiert Innen- und Außenansichten auf die EU und Europa in poetischer Auseinandersetzung – in Lesungen, Konzerten, Performances und Ausstellungen in der Akademie der Künste. Zu den Höhepunkten gehören der große Auftakt mit Weltklang, einem Konzert aus Stimmen und Sprachen, drei D poesie mit mehreren Produktionen zwischen Text, Musik und Tanz sowie Auf ein Wort, Europa, das 22 internationale Dichterstimmen zu einer vielsprachigen Installation versammelt.

James Noël (geb. 1978 in Hinche, Haïti) ist Dichter, Sänger und auf der Bühne ein Ereignis. Er betreibt poetische Erregung als oberste Form von Engagement. Mit über einem Dutzend Buchveröffentlichungen gilt Noël als einer der wichtigsten zeitgenössischen Autoren Haïtis.

Seine Gedichte stecken voll wuchtiger Bilder: Die Sonne hat ein Höllenherz, das Meer ist der beste aller Filme, und das Leben wird „an die Masten genagelt / mit den dicken Tentakelkabeln / der Dunkelheit“. Er schreibt, um „seinen Körper zu befreien von all den Worten, um, leichter als Papier, in Zeit und Geschichte voranzuschreiten“, sagt Noël.

In seinem monumentalen Work-in-progress „Die Migration der Mauern“ überblendet Noël Politik und Metaphorik, Fluchtbewegungen mit dem Wegbrechen gesicherter Fundamente in der flüssigen Moderne und dem Errichten neuer Mauern. Es ist ein politisch und poetisch hoch aktuelles Werk.

Noëls Texte wurden musikalisch verarbeitet, unter anderem von Wooly Saint-Jean, James Germain, Robenson Auguste und Tamara Suffren. Sie wurden von Pierre Brisson und dem bekannten Sänger und Entertainer Arthur H. in einer Show mit dem Titel „L’Or Noir“ (Schwarzes Gold) aufgeführt. Noël hat außerdem eine Anthologie mit Gegenwartslyrik aus Haïti herausgegeben, die 73 aktuelle Dichterinnen und Dichter versammelt. Neben zahlreichen weiteren Auszeichnungen war James Noël Stipendiat in der Villa Medici in Rom. James Noël lebt in Port-au-Prince.

Via Lewandowsky Fotoserie ›House Calls‹

Diese Kamerabilder hat ein Agent des Realen aufgenommen, und ein Agent des Irrealen hat sie anschließend beschriftet. Am Kreuzungspunkt ihrer Wahrnehmungen ist etwas Drittes entstanden, das die Spione im eigenen Auftrag in einem Akt der Eingebung PHOTOPROSA nannten. Zwei Kundschafter im Außendienst, die sich seit Jahren regelmäßig treffen und ihre Rechercheergebnisse auswerten. Bilder von fernen und nahen Schauplätzen sind es, Via Lewandowsky hat sie im Auftrag seiner Privatdetektei auf verschiedenen, zum Teil auch gemeinsamen Künstlerreisen der letzten Jahre angefertigt und seinem Kompagnon Durs Grünbein später zur Auswertung überlassen. Worauf dieser sie, ausreichend informiert über die Umstände und Anlässe, mit Kommentaren versah. Entstanden ist so ein Atlas der unmöglichen Orte, ein Dossier aus Bilddokumenten und handschriftlichen Texten […]. Aus ihnen wird ein Bewegungsmuster erkennbar, Spuren werden gelegt und gefunden, ein Narrativ zeichnet sich ab.

Bereits 1988 schworen sich Durs Grünbein und Via Lewandowsky in der gemeinsamen Heimatstadt Dresden unbedingte künstlerische Treue. Sie veröffentlichten unter dem Titel ›Ghetto-Hochzeit‹ Texte und Zeichnungen im Ursus Press Verlag von Christoph Tannert. Seitdem gingen regelmäßig Ideen im Spannungsfeld von Sprache und Bild zwischen ihnen hin und her, die Funken wurden zur Grundlage sehr unterschiedlicher Projekte. Prinzip war immer die gegenseitige Überraschung in einem Klima drohender Langeweile, gesellschaftlicher Konditionierung und Überwachung, damals im Osten, anders heute im Westen. (Text : Via Lewandowsky und Durs Grünbein)

Neben Soundobjekten von Via Lewandowsky steht die fortlaufende Fotoserie ›House Calls‹, eine Gemeinschaftsarbeit von Via Lewandowsky und Durs Grünbein im Mittelpunkt der Präsentation.

 

Die Heidelberger Literaturtage im Aufbruch finden vom 21. bis 25. Juni im Spiegelzelt auf dem Universitätsplatz Heidelberg statt.

Via Lewandowsky (* 1963, Dresden) studierte von 1982 bis 1987 an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Zwischen 1985 und 1989 veranstaltete er dort mit der Avantgardegruppe der ›Autoperforationsartisten‹ subversive Performances, die den offiziellen Kunstbetrieb der DDR unterliefen. 1989 verließ er kurz vor der Wende die DDR und zog nach Westberlin. Er reist viel und hatte diverse längere Aufenthalte im Ausland u. a. in New York, in Rom, in Peking und in Kanada. Er lebt in Berlin.

Durs Grünbein (* 1962, Dresden) lebt seit 1986 nach kurzzeitigem Studium als Dichter, Übersetzer und Essayist in Berlin. Er war Gast des German Department der New York University und der Villa Aurora in Los Angeles. Für sein Werk erhielt er mehrere Preise, darunter den Peter-Huchel-Preis 1995, den Georg-Büchner-Preis 1995, den Literaturpreis der Osterfestspiele Salzburg 2000, den Friedrich Nietzsche-Preis des Landes Sachsen-Anhalt 2004 und den Berliner Literaturpreis 2006 der Preußischen Seehandlungverbunden mit der Heiner-Müller-Professur 2006.

Natalie Czech  you see// but // you say

Im Werk der Fotokünstlerin Natalie Czech geht es auf charakteristische Weise um das Verhältnis von Bild, Bildgegenstand und Text. In umfangreichen Werkgruppen arbeitet sie an Formen einer konzeptuellen Verflechtung dieser unterschiedlichen Darstellungsebenen. Sie verbindet Stilmittel klassischer Objektfotografie mit verschiedenen, vorwiegend literarischen Textformaten. So lassen sich ihre Werke als visuelle Gedichte verstehen, denn sie interpretieren ihr poetisches Ausgangsmaterial weiter – seien es Gedichte verschiedener Autoren oder digitale Bildzeichen, sogenannte Icons, wie in ihrer neuesten Werkgruppe. Czechs Arbeit fächert die Textualität solcher Elemente in neue, pluralisierende Lesarten auf. Dabei verfolgt sie eine auf den ersten Blick paradoxe Unternehmung, nämlich die, ›mit Fotografie zu schreiben‹.

Ihre neueste Werkgruppe trägt den Titel ›to icon‹, und er birgt einen entscheidenden Deutungshinweis, macht er doch das Substantiv ›Icon‹ zum Verb, generiert ein aufs Lesen von Bildern bezogenes Kunstwort. Genau das geschieht in den neuen Fotoarbeiten: Sie zeigen Piktogramme, visuelle Kommunikationskürzel im Zwischenraum von Bild und Text, die heutzutage für praktisch jeden Handy-, Tablet- oder Web-User zur alltäglichen Bildlektüre geworden sind – so vertraut, dass man sie kaum mehr wahrnimmt, sondern schlichtweg funktional benutzt. Czech stellt fest, dass die digitalen Symbole in verschiedenen Programmen teils unterschiedliche Verwendungen und Bedeutungen haben. So sammelt sie Begriffsfelder, die ein Icon abdeckt, und inszeniert das semantische Feld in einem Foto. Dafür fotografiert sie etwa Kleidungsstücke und Accessoires im Stil von Mode- und Produktfotografie, liest die Form eines Icons in Umrisse, Falten oder Nähte der Objekte hinein – und appliziert sie jeweils als farbigen Kunststoffguss direkt aufs Foto.

Zum Beispiel in ›Pen /PR Shirt‹ (2016): Eine Designerbluse mit kleinteilig-opulentem Blumenmuster liegt bildfüllend locker drapiert mit angewinkelten Armen auf schwarzem Stoff. Erst auf den zweiten Blick entdeckt man im unteren Bildteil auf der Innenseite des linken Ärmels das Symbol eines stilisierten Stifts. Die länglich-rechteckige Form, am unteren Ende mit einem kleinen Dreieck, oben mit einem Quadrat versehen, kommt in verschiedenen Apps und Textprogrammen vor – und ist hier außerdem mit dem Nahtmuster der Manschette deckungsgleich, mit der sich der Ärmel aufknöpfen lässt. Da Bedeutung und Gebrauch eines Icons in den verschiedenen digitalen Anwendungen variiert, fügt Czech in ›to icon‹ den fotografierten Objekten, wie bei Waren üblich, eine Art Produktlabel hinzu. Darauf gibt sie akribisch die Bedeutungsvarianten und die jeweilige Referenzsoftware wieder. So kommt etwa das Symbol ›Pen‹ aus diesem Bild unter anderem in ›PicsArt Photo for Windows 8.1‹, ›TripAdvisor IOS 14.6‹, ›Pinterest © 2016‹, ›Google Translate © 2015‹ und anderen vor. Insgesamt notiert Czech hier acht Bedeutungsvarianten und Quellen. Auf dem Label zusammengeführt, liest sich die Aufzählung einzelner Funktionsbezeichnungen plötzlich assoziativ und frei wie ein poetischer Text: ›Draw / Drafts / Draft Reviews / Write a Review / Update Info / Edit / Text // Wrong?‹.

Czech (er) findet auf dem Weg solcher Manöver vielfach gestaffelter Rekontextualisierung und Rückübersetzung eine ganz eigene Art von Poesie. Sie knüpft auf freiere Weise an frühere Werkgruppen und deren Verflechtung von Bild und Poesie an, wie etwa bei den mehrteilig angelegten ›Poems by Repetition‹. Dort entfaltet Czech je ein Gedicht ausgewählter Autoren innerhalb eines wiederholt fotografierten Motivs. Die Fotografie, selbst ein Reproduktionsmedium, konstituiert Textproduktion dadurch ausdrücklich mit – auch dies eine Weise, mit Fotografie zu schreiben. Sie verwendet dabei oft Gedichte, die mit Stilmitteln der Repetition experimentieren. So sind diese Werke letztlich Sprachbilder im doppelten Sinne: Literarisch lassen sie sich als Konkrete Poesie oder experimentelle Dichtung lesen, bildbezogen aber ebenfalls als konzeptuelle Objektfotografie auffassen. Czech operiert dabei bewusst mit einer Ambivalenz, die schon in ihren literarischen Quellen angelegt und eines ihrer zentralen Themen ist, dass nämlich Text in sich bereits ein (literarisches) Bild und, ganz buchstäblich, stets auch Schriftbild ist. (Text: Jens Asthoff)

Natalie Czech (* 1976) lebt und arbeitet in Berlin. Ausstellungen u. a. im CRAC Alsace Altkirch, MOMA New York, Palais de Tokyo Paris, Fotomuseum Winterthur, Kunsthalle Wien, Hamburger Bahnhof Berlin, Kunstverein in Hamburg, Braunschweig, Langenhagen. Arbeiten u. a. in den Sammlungen des MOMA New York, Pinakothek der Moderne München, Fotomuseum Winterthur.